{"id":11330,"date":"2025-11-11T14:36:30","date_gmt":"2025-11-11T12:36:30","guid":{"rendered":"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/genealogias-femeninas-en-la-escultura-catalana\/"},"modified":"2026-03-18T11:18:46","modified_gmt":"2026-03-18T09:18:46","slug":"genealogias-femeninas-en-la-escultura-catalana","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/es\/genealogias-femeninas-en-la-escultura-catalana\/","title":{"rendered":"Genealog\u00edas femeninas en la escultura catalana"},"content":{"rendered":"<div class=\"wpb-content-wrapper\"><p>[vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb bg_type=\u00bbbg_color\u00bb z_index=\u00bb\u00bb bg_color_value=\u00bb#000000&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1746632125762{background-color: #000000 !important;}\u00bb anchor=\u00bbhero\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner][vc_empty_space height=\u00bb368px\u00bb][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb5\/6&#8243;][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbcolor-blanc m3-bottom-res\u00bb]<\/p>\n<h1>Genealog\u00edas femeninas en la escultura catalana<\/h1>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner][vc_empty_space height=\u00bb190px\u00bb][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb bg_type=\u00bbgrad\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1740590072551{margin-top: -95px !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb bg_grad=\u00bbbackground: -webkit-gradient(linear, left top, left bottom, color-stop(0%, #000000), color-stop(20%, #000000), color-stop(21%, #FFFFFF), color-stop(60%, #FFFFFF));background: -moz-linear-gradient(top,#000000 0%,#000000 20%,#FFFFFF 21%,#FFFFFF 60%);background: -webkit-linear-gradient(top,#000000 0%,#000000 20%,#FFFFFF 21%,#FFFFFF 60%);background: -o-linear-gradient(top,#000000 0%,#000000 20%,#FFFFFF 21%,#FFFFFF 60%);background: -ms-linear-gradient(top,#000000 0%,#000000 20%,#FFFFFF 21%,#FFFFFF 60%);background: linear-gradient(top,#000000 0%,#000000 20%,#FFFFFF 21%,#FFFFFF 60%);\u00bb][vc_column css=\u00bb.vc_custom_1739708113171{margin-top: -95px !important;}\u00bb]<div id=\"ult-carousel-371806525669ded6f7b5fd7\" class=\"ult-carousel-wrapper  carrusel_comisariat_riure ult_horizontal\" data-gutter=\"10\" data-rtl=\"false\" ><div class=\"ult-carousel-24576605169ded6f7b5f1b \" ><div class=\"ult-item-wrap\" data-animation=\"animated no-animation\"><div class=\"qode-info-card\">\n\t\t\t<div class=\"qode-info-card-image\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t<img decoding=\"async\" src=\"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/fig-07-tallers-Lena-Cerdanyola_1.jpg\" alt=\"\" \/>\n\t\t<\/div>\n\t\t<div class=\"qode-info-card-text-holder\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t\t\t<h6 class=\"qode-info-card-title\" >\n\t\t\t\tFotografia del Taller Lena, s. d. (1923-1931). Arxiu Municipal de Cerdanyola. Legado Albert L\u00e1zaro Arqueros.  \t\t\t<\/h6>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t<\/div><\/div><div class=\"ult-item-wrap\" data-animation=\"animated no-animation\"><div class=\"qode-info-card\">\n\t\t\t<div class=\"qode-info-card-image\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t<img decoding=\"async\" src=\"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/fig-10-Tortras-MACBA_1.jpg\" alt=\"\" \/>\n\t\t<\/div>\n\t\t<div class=\"qode-info-card-text-holder\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t\t\t<h6 class=\"qode-info-card-title\" >\n\t\t\t\tN\u00faria Tortras i Planas, &lt;em&gt;Desnudo&lt;\/em&gt;, 1974. Bronce, 52 x 19 x 36 cm. Museu d\u2019Art Contemporani de Barcelona.  \t\t\t<\/h6>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t<\/div><\/div><div class=\"ult-item-wrap\" data-animation=\"animated no-animation\"><div class=\"qode-info-card\">\n\t\t\t<div class=\"qode-info-card-image\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t<img decoding=\"async\" src=\"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/fig-32-Ramoneda-Sabadell_2.jpg\" alt=\"\" \/>\n\t\t<\/div>\n\t\t<div class=\"qode-info-card-text-holder\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t\t\t<h6 class=\"qode-info-card-title\" >\n\t\t\t\t01. Marina Ramoneda, &lt;em&gt;Caperucita&lt;\/em&gt; (Para comerte mejor), 2006. Fieltro, cinta y espinas de rosal, 75 x 67 x 10 cm. Museu d\u2019Art de Sabadell.  \t\t\t<\/h6>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t<\/div><\/div><div class=\"ult-item-wrap\" data-animation=\"animated no-animation\"><div class=\"qode-info-card\">\n\t\t\t<div class=\"qode-info-card-image\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t<img decoding=\"async\" src=\"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/fig-26-Pandora_2018_PatriciaMaseda_5.jpg\" alt=\"\" \/>\n\t\t<\/div>\n\t\t<div class=\"qode-info-card-text-holder\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t\t\t<h6 class=\"qode-info-card-title\" >\n\t\t\t\tPatr\u00edcia Maseda Calamita, &lt;em&gt;Pandora&lt;\/em&gt;, 2018. Papel kraft y bronce, 33 x 47 x 21 cm. Museu d\u2019Art de Cerdanyola.  \t\t\t<\/h6>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t<\/div><\/div><div class=\"ult-item-wrap\" data-animation=\"animated no-animation\"><div class=\"qode-info-card\">\n\t\t\t<div class=\"qode-info-card-image\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t<img decoding=\"async\" src=\"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/fig-20-Solano-MACBA_1.jpg\" alt=\"\" \/>\n\t\t<\/div>\n\t\t<div class=\"qode-info-card-text-holder\" style=\"background-color:#fff\">\n\t\t\t\t\t<h6 class=\"qode-info-card-title\" >\n\t\t\t\tSusana Solano Rodr\u00edguez, &lt;em&gt;Dime, dime querido&lt;\/em&gt;, 1986. Hierro, 25,5 x 29 x 19,5 cm y 15,5 x 10,2 x 6,4 cm. Colecci\u00f3n MACBA. Dep\u00f3sito del Ayuntamiento de Barcelona. \u00a9 Susana Solano, VEGAP, Barcelona. Foto: Cortes\u00eda de la artista.     \t\t\t<\/h6>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t<\/div><\/div><\/div><\/div>\t\t\t<script type=\"text\/javascript\">\n\t\t\t\tjQuery(document).ready(function ($) {\n\t\t\t\t\tif( typeof jQuery('.ult-carousel-24576605169ded6f7b5f1b').slick == \"function\"){\n\t\t\t\t\t\t$('.ult-carousel-24576605169ded6f7b5f1b').slick({dots: true,autoplay: true,autoplaySpeed: \"5000\",speed: \"300\",infinite: true,arrows: true,nextArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Next\" style=\"color:#333333; font-size:20px;\" class=\"slick-next default\"><i class=\"ultsl-arrow-right6\"><\/i><\/button>',prevArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Previous\" style=\"color:#333333; font-size:20px;\" class=\"slick-prev default\"><i class=\"ultsl-arrow-left6\"><\/i><\/button>',slidesToScroll:4,slidesToShow:4,swipe: true,draggable: true,touchMove: true,pauseOnHover: true,pauseOnFocus: false,centerMode: true,adaptiveHeight: true,responsive: [\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1026,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 4,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 4,  \n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1025,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 760,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t\t\t],pauseOnDotsHover: true,customPaging: function(slider, i) {\n                   return '<i type=\"button\" style= \"color:#333333;\" class=\"ultsl-radio-unchecked\" data-role=\"none\"><\/i>';\n                },});\n\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t});\n\t\t\t<\/script>\n\t\t\t[\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb][vc_column][vc_separator type=\u00bbnormal\u00bb thickness=\u00bb1&#8243; up=\u00bb94&#8243; color=\u00bb#000000&#8243; down=\u00bb64&#8243;][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1739778989055{margin-bottom: 94px !important;}\u00bb][vc_column width=\u00bb1\/2&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-negro orientation-false\" style=\"\" id=\"introduccion\">\n        <h2 class=\"fade-in\">Introducci\u00f3n<\/h2><\/div>    <div class=\"block_quote color-negro fade-in\">\n        <div class=\"image_holder\">\n                    <img decoding=\"async\" src=\"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2026\/01\/Cristina_img.jpg\" alt=\"Cristina Rodr\u00edguez-Samaniego\">\n                <\/div>\n        <div class=\"block_quote_content\">\n                            <p class=\"title\">Cristina Rodr\u00edguez-Samaniego<\/p>\n                                        <p>Profesor asociado del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona. Grupo de investigaci\u00f3n GRACMON. <\/p>\n                        <div class=\"social-links\">\n                                                                                                                            <\/div>\n        <\/div>\n    <\/div>\n    [\/vc_column][vc_column width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text css=\u00bb\u00bb]A pesar de que la presencia de escultoras est\u00e1 documentada desde hace mucho tiempo, su n\u00famero es residual si lo comparamos con el volumen de escultores, una disparidad que no se empieza a revertir hasta entrado el siglo XX, cuando se superan las trabas que limitaban la evoluci\u00f3n profesional de la mujer artista en general y la de la escultora en particular.<\/p>\n<p>A partir de las colecciones de la Xarxa de Museus d\u2019Art de Catalunya, la exposici\u00f3n <em>Genealog\u00edas femeninas en la escultura catalana<\/em> abre una ventana a la escultura hecha por mujeres en Catalu\u00f1a desde alrededor de 1900 hasta la actualidad. Nos invita a acercarnos a la producci\u00f3n de varias generaciones de escultoras, a sus trayectorias individuales y aportaciones personales, algunas de las cuales permanecen, aun a d\u00eda de hoy, en la sombra del olvido. <\/p>\n<p>M\u00e1s all\u00e1 del relato cronol\u00f3gico, la exposici\u00f3n sugiere una cartograf\u00eda visual que dibuja un panorama m\u00e1s global y que nos permite establecer relaciones entre artistas, coyunturas y planteamientos creativos ricos y diversos. En este sentido, el itinerario expositivo ilustra la evoluci\u00f3n de los estilos, formatos y materiales de la escultura desde una concepci\u00f3n plural de la modernidad y de lo contempor\u00e1neo. A su vez, sin embargo, propone descubrir la historia de todo un colectivo, el de las escultoras catalanas del siglo XX.[\/vc_column_text][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb header_style=\u00bblight\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1771318860194{padding-top: 0px !important;padding-bottom: 84px !important;background-color: #262626 !important;}\u00bb anchor=\u00bbfoc_section\u00bb][vc_column][vc_row_inner rtl_reverse=\u00bbyes\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbrow-reverse-res\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1771318878235{padding-top: 100px !important;padding-bottom: 40px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-blanco orientation-false\" style=\"\" id=\"una-cuestion-de-espacio\">\n        <h2 class=\"fade-in\">Una cuesti\u00f3n de espacio<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbfont-gran color-blanc width-90 fade-in\u00bb]En su c\u00e9lebre ensayo de 1929 <em>Una habitaci\u00f3n propia<\/em>, Virginia Woolf argumenta que la falta de independencia econ\u00f3mica y, sobre todo, de un espacio propio para trabajar son los obst\u00e1culos que m\u00e1s han limitado a las mujeres en el desarrollo de sus trayectorias laborales a lo largo de la historia. A finales del siglo XIX y principios del XX, las artistas a menudo establec\u00edan sus talleres en estancias dom\u00e9sticas que no eran \u201cpropias\u201d, es decir, que cumpl\u00edan a la vez otras funciones, ya fuera como espacio de uso familiar o para recibir visitas. Disponer de un taller en casa permit\u00eda a las mujeres de clase media y alta mantener el paradigma de respetabilidad burguesa que la sociedad les exig\u00eda, pero que a la vez las coartaba.  <\/p>\n<p>El taller es un espacio f\u00edsico y tambi\u00e9n simb\u00f3lico, donde se materializan las ideas, donde se hace realidad lo que la artista ha imaginado: en definitiva, donde se experimenta y se crea. En el caso de la escultura, en comparaci\u00f3n con otras disciplinas tradicionales como la pintura, los procesos creativos son m\u00e1s complejos y pueden requerir espacio suplementario para estructuras, materiales y herramientas. Tanto es as\u00ed que, entre otros factores, la profesionalizaci\u00f3n de las escultoras pasa por el cambio del espacio de trabajo, del hogar al estudio independiente.  <\/p>\n<table>\n<tbody>\n<tr>\n<td width=\"143\"><\/td>\n<\/tr>\n<tr>\n<td><\/td>\n<td><\/td>\n<\/tr>\n<\/tbody>\n<\/table>\n<p>Conocemos la existencia de muy pocas escultoras en activo en la Catalu\u00f1a del cambio de siglo y primer tercio del XX. Resulta totalmente excepcional que se conserve obra hecha antes de 1900, puesto que, en t\u00e9rminos generales, la producci\u00f3n de muchas escultoras coet\u00e1neas no se ha conservado o est\u00e1 sin localizar a d\u00eda de hoy, de modo que la conocemos \u00fanicamente a trav\u00e9s de fotograf\u00edas de \u00e9poca. <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 129px; top: 278px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb11250&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb el_class=\u00bbm1-top-res\u00bb][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc fade-in\u00bb]Pilar Portella i Estrada (1874-1941) en su taller. Fotograf\u00eda de Thomas publicada en <em>Feminal<\/em>, n.\u00ba 17, 1908.  17, 1908. Wikimedia Commons.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1771319022065{padding-top: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbcolor-blanc fade-in\u00bb]<\/p>\n<p class=\"p1\">A Pilar Portella se la considera la primera alumna de escultura de la Escuela Llotja, y posteriormente integr\u00f3 el cuerpo docente de la Escuela Municipal de Arte del barrio de Gr\u00e0cia, en Barcelona. Las fotograf\u00edas tomadas en su taller dom\u00e9stico nos permiten disponer de un registro visual de su producci\u00f3n, por lo dem\u00e1s desaparecida. Portella produce bajorrelieves, pedestales, jarrones ornamentales y retratos, elaborados mayoritariamente con materiales fr\u00e1giles, como escayola y arcilla, a veces policromadas.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: -92px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1760431823302{margin-top: 40px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10154&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb el_class=\u00bbm1-top-res\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768813232003{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]<\/p>\n<p class=\"p1\">De Maria Riera a\u00fan se sabe muy poco: ni siquiera conocemos su segundo apellido. Nace hacia 1894 y, adem\u00e1s de ejercer de modelo para distintos artistas, tambi\u00e9n es dibujante y public\u00f3 sus ilustraciones en <em>Feminal<\/em>. Su faceta como escultora es m\u00e1s desconocida, pero no por ello menos interesante. En la fotograf\u00eda aparece trabajando en un busto masculino en un taller junto al escultor modernista Dami\u00e0 Pradell (1867-1947), lo cual abre la puerta a considerar que la presencia femenina en los talleres de escultura de la \u00e9poca podr\u00eda haber sido m\u00e1s elevada de lo que las fuentes han recogido hasta ahora.   <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 326px; top: 110px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc fade-in\u00bb]<\/p>\n<p class=\"p2\"><i>Maria Riera (c. 1894-?) trabajando en un busto. <\/i>Fotograf\u00eda de Antoni Rosal Grelon, s. d. (1910-1920). Vidrio, b\/n, 13 x 18 cm. Arxiu Nacional de Catalunya, ANC1-800-N-117.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 394px; top: 86px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10157&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb el_class=\u00bbm1-top-res\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762444587968{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]Pilar Gonz\u00e1lez es hija del platero Concordio Gonz\u00e1lez. Junto con sus tres hermanos, Joan, Lola y Juli, trabaja en el taller paterno en Barcelona, especializado en la producci\u00f3n de objetos de arte en metal con formas inspiradas en la naturaleza, antes de trasladarse a Par\u00eds en 1900. La obra pertenece a la \u00e9poca de esplendor del obrador. Los materiales y procedimientos utilizados por Gonz\u00e1lez recuerdan a los de artistas m\u00e1s tard\u00edas, de finales del siglo XX, que tambi\u00e9n adoptar\u00edan el metal como material creativo.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc fade-in\u00bb]Pilar Gonz\u00e1lez i Pellicer (1870-1951), <em>Ramo de flores<\/em>, \u00faltimo cuarto del siglo XIX. Hierro forjado, recortado, cincelado y laminado, 48 x 35 cm. Museu del Cau Ferrat, Sitges. Fondo Cau Ferrat, n\u00fam. inv. 571.     571. \u00a9 Archivo Fotogr\u00e1fico del Consorci del Patrimoni de Sitges.<\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 349px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10160&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb el_class=\u00bbm1-top-res\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762444596348{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]Lola Anglada es reconocida principalmente por su faceta de dibujante y de escritora, a pesar de que desarrolla una interesante trayectoria como escultora, sobre todo a partir de su primera estancia en Par\u00eds en 1918, cuando se inicia en la disciplina bajo el magisterio de Josep Clar\u00e0. Tanto por la tem\u00e1tica como por los rasgos estil\u00edsticos, esta obra se inscribe de lleno en el Noucentisme, con su reivindicaci\u00f3n de los personajes y las tareas del campo, considerados encarnaciones de la identidad catalana.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc fade-in\u00bb]Lola Anglada i Sarriera (1892-1984),<em> La Vendimiadora, c. <\/em> 1924. Bronce, 29,4 x 14,5 x 11,5 cm (escultura, sin base). Museu de Maricel, Sitges. Fondo Maricel, n\u00fam. inv. FM 21.     \u00a9 Archivo Fotogr\u00e1fico del Consorci del Patrimoni de Sitges.<\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 368px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763046761182{padding-top: 80px !important;padding-bottom: 94px !important;background-color: #000000 !important;background-position: 0 0 !important;background-repeat: no-repeat !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbrow-reverse-res\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-blanco orientation-false\" style=\"\" id=\"la-escultura-un-arte-viril\">\n        <h2 class=\"fade-in\">La escultura, \u00bfun arte \u201cviril\u201d?<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762444636518{margin-top: 24px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran color-blanc fade-in\u00bb]Tradicionalmente, la escultura ha sido considerada un arte \u201cviril\u201d \u2014desde una \u00f3ptica binaria\u2014 y, como tal, m\u00e1s apropiada para los hombres. Se arg\u00fc\u00eda que para practicarla hac\u00eda falta usar la fuerza f\u00edsica y ensuciarse las manos con los materiales y que, adem\u00e1s, era m\u00e1s cerebral que la pintura, m\u00e1s compleja y, por lo tanto, menos accesible a las mujeres. A\u00fan a principios del siglo XX, parte de la cr\u00edtica de arte espa\u00f1ola defiende que las mujeres disponen gen\u00e9ticamente de menos aptitudes que los hombres para plasmar conceptos abstractos; prejuicios, por otro lado, muy extendidos en la sociedad europea de la \u00e9poca.<br \/>\nEn este contexto, la recepci\u00f3n del trabajo de las escultoras se ve siempre condicionada por su \u201cfeminidad\u201d intr\u00ednseca, como nos cuenta Isabel Rodrigo: un paradigma con el que se confrontaba constantemente la obra de las escultoras, incluso las que estaban en activo durante la Rep\u00fablica, cuando aumenta significativamente el n\u00famero de artistas en nuestro pa\u00eds. Los roles sociales atribuidos a la mujer durante el franquismo contribuyen a perpetuar este sesgo de g\u00e9nero. Todo ello ayuda a entender la popularidad de la retrat\u00edstica entre las escultoras del segundo tercio del siglo XX y, en particular, la del retrato de mujer.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1763046773467{padding-bottom: 40px !important;}\u00bb][vc_single_image image=\u00bb10206&#8243; img_size=\u00bblarge\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762936288495{margin-top: 60px !important;margin-bottom: 10px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814351750{margin-top: 0px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc fade-in\u00bb]Palmira Collell i Canudas (c. 1918-2018), <em>Retrato<\/em>, 1954. Bronce (original en escayola de 1952), 32,5 x 18,5 x 26 cm.  Museu Nacional d\u2019Art de Catalunya.<\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 308px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762863620925{margin-top: 40px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10203&#8243; img_size=\u00bb600&#215;717&#8243; alignment=\u00bbcenter\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762864145076{margin-bottom: 10px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814357675{margin-top: 0px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc fade-in\u00bb]Maria Llimona i Benet (1894-1985), <em>Juventud<\/em>, 1942. Bronce, 41 x 39 x 25,5 cm.<br \/>  Museu Nacional d\u2019Art de Catalunya.<\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 282px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762444965776{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]El original de la obra, en escayola, consta en la Exposici\u00f3n Municipal de Arte de Barcelona de 1953 y es adquirido por el Ayuntamiento de Barcelona. Un a\u00f1o despu\u00e9s, la fundici\u00f3n Bechini elabora este ejemplar de bronce. Collell se forma en la Escuela de Artes y Oficios Art\u00edsticos a principios de los a\u00f1os cincuenta, en una \u00e9poca en la que las mujeres suponen ya un porcentaje importante del alumnado de las ense\u00f1anzas art\u00edsticas.  <\/p>\n<p>Miembro de una estirpe de artistas e hija del escultor modernista Josep Llimona, Maria Llimona se adentra en la escultura de forma tard\u00eda, durante la Guerra Civil, mientras se encontraba en el exilio en Italia. En su producci\u00f3n destaca la estatuaria de car\u00e1cter religioso, tipolog\u00eda entonces en auge debido a los numerosos proyectos de reconstrucci\u00f3n de iglesias y espacios de culto despu\u00e9s del conflicto armado. Pero, adem\u00e1s, se consagra al retrato y a la obra aleg\u00f3rica, tal y como hace patente <em>Juventud<\/em>, con la que fue premiada en la Exposici\u00f3n Nacional de Bellas Artes de Barcelona en 1942. Entonces, en su taller del barrio del Farr\u00f3, en Barcelona, contaba con la colaboraci\u00f3n de Luisa Granero.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbrow-reverse-res\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762504271502{padding-top: 80px !important;padding-bottom: 80px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762504157041{margin-bottom: 46px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in m1-bottom-res color-blanc\u00bb]El Taller Lena de Cerdanyola del Vall\u00e8s, fundado por el moldeador italiano Alberto Lena, se dedica principalmente a las reproducciones art\u00edsticas y la escultura decorativa. La empresa es conocida por haber elaborado parte de la estatuaria original que ornamenta Montju\u00efc con motivo de la Exposici\u00f3n Internacional de 1929. Fotograf\u00edas como esta demuestran que buena parte del personal del taller eran mujeres, situaci\u00f3n que probablemente se hac\u00eda extensiva a los distintos talleres de oficios de la escultura de la \u00e9poca. Es un momento de auge en el proceso de integraci\u00f3n de las mujeres en la sociedad profesional, particularmente relevante en el sector de las artes industriales o aplicadas. En el extremo inferior derecho de la fotograf\u00eda se aprecia un ejemplar de Ni\u00f1a rezando, modelo del Taller Lena creado hacia 1916.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/4&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10176&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb el_class=\u00bbm1-bottom-res\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1769428559157{margin-bottom: 40px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda fade-in color-blanc\u00bb]Fotografia del Taller Lena, s. d. (1923-1931). Arxiu Municipal de Cerdanyola. Legado Albert L\u00e1zaro Arqueros.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 185px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/4&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10179&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb el_class=\u00bbm1-bottom-res\u00bb][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda fade-in color-blanc\u00bb]Taller Lena, <em>Ni\u00f1a rezando<\/em>, c. 1916 (modelo original). Pasta Lena policromada, 37 x 39 x 27 cm. Museu d\u2019Art de Cerdanyola, Dep\u00f3sito Colecci\u00f3n Mart\u00ednez Montalb\u00e1n.   <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 165px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762504397035{margin-top: 0px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10183&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762504227280{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814381271{margin-top: 0px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc fade-in\u00bb]Montserrat Junoy i Ricart (1924-?), <em>Sirenita<\/em>, 1944. Terracota, 21,5 x 24 x 11 cm. Museu Abell\u00f3.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 277px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762504179236{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]La cr\u00edtica considera a Montserrat Junoy la escultora revelaci\u00f3n de la Exposici\u00f3n Nacional de Bellas Artes de Barcelona de 1944, junto con Luisa Granero. Sin embargo, su obra ser\u00e1 invariablemente recibida como muestra de una visi\u00f3n \u201cfemenina\u201d de la pr\u00e1ctica escult\u00f3rica, siempre vinculada a la figura paterna, el escritor Josep Maria Junoy Muns. Todo parece indicar que desde 1952, cuando se traslada a vivir a S\u00e3o Paulo despu\u00e9s de casarse, la escultora no sigue en activo, fen\u00f3meno, por otro lado, bastante com\u00fan a\u00fan entonces entre las artistas de su generaci\u00f3n.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763637773466{padding-top: 0px !important;padding-bottom: 120px !important;background-color: #D5D7E3 !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763637765994{padding-top: 120px !important;padding-bottom: 94px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb5\/6&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-negro orientation-false\" style=\"\" id=\"representarse-desnudas\">\n        <h2 class=\"fade-in\">Representarse desnudas<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762504498018{margin-top: 24px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]En los a\u00f1os ochenta, el colectivo de activistas norteamericanas Guerrilla Girls estudia el fondo de los museos de arte m\u00e1s importantes y contabiliza el n\u00famero de desnudos femeninos. Las cantidades son significativamente altas, sobre todo en comparaci\u00f3n con la poca presencia de mujeres artistas en las colecciones de esas mismas instituciones. <\/p>\n<p>Y es que el desnudo femenino es uno de los motivos por excelencia de la historia del arte occidental, utilizado para ilustrar temas muy diversos desde tiempos inmemoriales. Existe, sin embargo, un tipo de desnudo art\u00edstico pensado para satisfacer la mirada masculina heterosexual, que con el paso del tiempo se va liberando de la necesidad de ser justificado a trav\u00e9s de un determinado relato hist\u00f3rico, mitol\u00f3gico, aleg\u00f3rico o incluso religioso. La escultura p\u00fablica tambi\u00e9n ha utilizado el desnudo femenino para vehicular todo tipo de mensajes, con la intenci\u00f3n de transmitir ideales, fomentar valores o propagar ideolog\u00edas.  <\/p>\n<p>\u00bfC\u00f3mo plasmar el propio cuerpo desnudo? \u00bfC\u00f3mo componer en tres dimensiones la anatom\u00eda desvestida de otra mujer? Mientras las escultoras formadas durante el segundo tercio del siglo XX reflexionan en torno a estas cuestiones y todav\u00eda dependen de los formatos y facturas del Noucentisme tard\u00edo, posteriormente las artistas parecen alejarse de estos referentes, incluso abandonando del todo la tem\u00e1tica y optando por propuestas que se relacionan con la condici\u00f3n de las mujeres desde una \u00f3ptica m\u00e1s conceptual y pol\u00edtica.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/4&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10211&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763637578628{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1763637558410{margin-top: 24px !important;margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]La figura femenina es la protagonista indiscutible de la obra de N\u00faria Tortras, siempre en di\u00e1logo con la est\u00e9tica del Novecentismo. Su obra presenta unos rasgos estil\u00edsticos homog\u00e9neos que se mantienen pr\u00e1cticamente invariables en el transcurso de su trayectoria, durante la que disfruta, por otro lado, de varios galardones y reconocimientos, siendo el m\u00e1s relevante la Creu de Sant Jordi que se le otorga en 2003.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814415553{margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda m2-left-res m2-right-res m2-bottom-res\u00bb]N\u00faria Tortras i Planas (1926-2013), <em>Desnudo<\/em>, 1974. Bronce, 52 x 19 x 36 cm. Museu d\u2019Art Contemporani de Barcelona.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 260px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/4&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10605&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1764585772552{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1763637609569{margin-top: 24px !important;margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]Formada en el c\u00e9lebre Taller Escuela de Pintura y Escultura de Tarragona, Ripoll adquiere notoriedad siendo a\u00fan muy joven a trav\u00e9s de su participaci\u00f3n en exposiciones durante la d\u00e9cada de 1930, hasta que el estallido de la Guerra Civil trunca el empuje de su carrera. Este estudio de figura, de grandes dimensiones, presenta los rasgos estil\u00edsticos propios del g\u00e9nero en los a\u00f1os cuarenta, con una representaci\u00f3n del cuerpo heredera del segundo Novecentismo y un \u00e9nfasis en la descripci\u00f3n de ciertos detalles, como por ejemplo el peinado, que marcan su temporalidad.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814405857{margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda m2-left-res m2-right-res m2-bottom-res\u00bb]Maria Teresa Ripoll i Sahag\u00fan (1914-1987), <em>Estudio<\/em>, 1945. Escayola patinada, 162 x 52 x 47 cm. Diputaci\u00f3n de Tarragona. Museu d&#8217;Art Modern. Arxiu Fotogr\u00e0fic. Alberich fot\u00f2grafs.     <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 332px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/4&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10953&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1767951348947{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1763637668288{margin-top: 24px !important;margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]Recientemente rescatada del olvido, Carme Raurich es una de las escultoras m\u00e1s brillantes de entre las que inician su trayectoria en la Girona del primer franquismo. A partir de su traslado a Argentina a mediados de los cincuenta, su obra se acerca a la abstracci\u00f3n, pero tambi\u00e9n a las tem\u00e1ticas relacionadas con lo ind\u00edgena que impregnan la escultura iberoamericana del momento.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814398913{margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda m2-left-res m2-right-res m2-bottom-res\u00bb]Carme Raurich i Saba (1920-?), <em>Desnudo de mujer<\/em>, 1948. Terracota, 39,5 x 16 x 15 cm. Museu d\u2019Art de Girona.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 226px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/4&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10217&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763637702576{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1763637713295{margin-top: 24px !important;margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]Las formas rellenas, redondeadas, macizas y opacas contrastan con los vac\u00edos y \u00e1ngulos de esta escultura de Carmina Gibert, que alude a los vol\u00famenes y la estructura del cuerpo de una mujer sin representarlos del todo. El \u00e9nfasis en el coraz\u00f3n y en el vientre son evidentes, una clara referencia al potencial creativo y afectivo de las mujeres, observado desde una perspectiva con vocaci\u00f3n universal.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814411512{margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda m2-left-res m2-right-res m2-bottom-res\u00bb]Carmina Gibert Fortet (1953), <em>Tronco femenino<\/em>, c. 1987. Fusta, 48 x 38 x 13 cm. Museu de la Garrotxa. <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 212px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763637820003{padding-top: 180px !important;padding-bottom: 94px !important;background-position: 0 0 !important;background-repeat: no-repeat !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbrow-reverse-res\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb2\/4&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-negro orientation-false\" style=\"\" id=\"escultoras-en-la-academia\">\n        <h2 class=\"fade-in\">Escultoras en la academia<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762864312564{margin-top: 24px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]No es hasta finales del siglo XIX que las catalanas pueden acceder a formaci\u00f3n art\u00edstica reglada, es decir, al aprendizaje de las artes en centros p\u00fablicos y oficiales. En Barcelona, a principios de 1883 se pone en funcionamiento la Escuela de Dibujo y Pintura para Ni\u00f1as y Adultas, y en 1885 encontramos a las primeras inscritas en las ense\u00f1anzas de arte en la sede central de la Llotja, aunque habr\u00e1 que esperar a los primeros a\u00f1os del siglo XX para descubrir a mujeres matriculadas a clases de escultura. El principal argumento que se esgrim\u00eda para justificar su exclusi\u00f3n del sistema educativo acad\u00e9mico era la presencia de modelos desnudos en las aulas, destinados al aprendizaje de la anatom\u00eda humana.<br \/>Tal y como apuntaba Linda Nochlin a principios de la d\u00e9cada de 1970, este acceso tard\u00edo a la educaci\u00f3n supone un h\u00e1ndicap importante para las artistas del pasado, porque no solo les dificulta la adquisici\u00f3n de ciertos conocimientos te\u00f3ricos y t\u00e9cnicos, sino que tambi\u00e9n las relega a una situaci\u00f3n de inferioridad con respecto a sus compa\u00f1eros hombres. La educaci\u00f3n se convierte en una v\u00eda eficaz de profesionalizaci\u00f3n para las artistas, y tambi\u00e9n para las que se consagran a la docencia.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1770279127970{margin-top: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]<\/p>\n<p class=\"p1\">En el curso 1955-56, Rosa Mart\u00ednez Brau fue nombrada profesora de t\u00e9rmino de la asignatura de Modelado y Vaciado en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona, donde se hab\u00eda formado, en una \u00e9poca en la que se observa un aumento del n\u00famero de mujeres dedicadas a la docencia art\u00edstica reglada en Catalu\u00f1a. La obra forma parte de un conjunto de seis piezas en diferentes materiales conservadas en el Museo Frederic Mar\u00e8s, todas ellas figuras femeninas con indumentaria modernista. Mart\u00ednez Brau fue disc\u00edpula del escultor Mar\u00e8s. Estas obras podr\u00edan ser ejercicios de clase o bien responder a un encargo para decorar la conocida como \u201cSala Femenina\u201d del museo.   <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: -2px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb60px\u00bb][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1761293156117{margin-bottom: 40px !important;background-position: center !important;background-repeat: no-repeat !important;background-size: contain !important;}\u00bb][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10223&#8243; img_size=\u00bb436&#215;796&#8243; css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1770279119660{margin-top: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in llegenda\u00bb]Rosa Mart\u00ednez Brau (1923-2014), <em>Figura femenina<\/em>, segunda mitad del siglo XX. Terracota, 82 x 33 x 44 cm.  Museu Frederic Mar\u00e8s. \u00a9 Foto: ArtWorkPhoto.eu<\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 214px; top: 182px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1760523347897{margin-top: 60px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10899&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb el_class=\u00bbm1-top-res\u00bb][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda fade-in\u00bb]Luisa Granero Sierra (1924-2013), <em>Mujer mediterr\u00e1nea<\/em>, 2009 (original, 2007), bronce, 180 cm de altura, Sitges, Platja de Sant Sebasti\u00e0. Fotograf\u00eda: Jordi Ferrer.  Wikimedia Commons.<\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 246px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1761038272241{margin-bottom: 40px !important;}\u00bb][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb2\/4&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1761038260487{margin-bottom: 40px !important;}\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1770278991353{margin-top: 24px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]Luisa Granero obtiene por oposici\u00f3n la c\u00e1tedra de Escultura de la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona en 1964, poco antes de que las ense\u00f1anzas se trasladasen al campus de la zona universitaria, donde la fachada del edificio principal todav\u00eda conserva varias esculturas aleg\u00f3ricas hechas por la autora. Referente de la escultura figurativa catalana contempor\u00e1nea y s\u00edmbolo del acceso de las mujeres a la docencia universitaria, Granero imparti\u00f3 clases hasta su jubilaci\u00f3n en 1994, formando a varias generaciones de escultoras y escultores, algunos todav\u00eda en activo.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763639121641{margin-bottom: 0px !important;padding-top: 0px !important;padding-bottom: 0px !important;background-color: #D5D7E300 !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763639111499{margin-bottom: 0px !important;padding-top: 120px !important;padding-bottom: 94px !important;background-color: #D5D7E3 !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb5\/6&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-negro orientation-false\" style=\"\" id=\"dar-vida\">\n        <h2 class=\"fade-in\">Dar vida<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762865099323{margin-top: 24px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]Componer una escultura, gestarla y hacerla evolucionar hasta que llegue a estar lista responde a la necesidad de dar vida a una forma, de encarnar una idea. Tal y como hace una madre \u2014pero sin responder a ning\u00fan ideal cultural\u2014, la escultora tambi\u00e9n pare, en el sentido que genera nuevas realidades a trav\u00e9s del acto creativo. <\/p>\n<p>Modelar la arcilla, m\u00e1s que cualquier otro material, es una actividad cargada de simbolismo por el protagonismo de las manos en la exploraci\u00f3n de las posibilidades expresivas de la materia, pero tambi\u00e9n por las cualidades de la propia arcilla como material, a la que tantas culturas y tradiciones han situado en el origen de la vida.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1763639117073{margin-top: 0px !important;margin-bottom: 160px !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb][vc_column width=\u00bb1\/3&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1739805694782{padding-right: 0px !important;padding-left: 0px !important;}\u00bb][vc_single_image image=\u00bb10227&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762868999516{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762937240390{margin-top: 24px !important;margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]El t\u00edtulo de la obra induce a pensar que estamos ante una doble g\u00e9nesis, un doble punto de partida. Por un lado, alude a un alumbramiento, el del fruto ovalado del vientre de esta figura; pero, por otro, tambi\u00e9n parece evocar po\u00e9ticamente la g\u00e9nesis de la civilizaci\u00f3n occidental, la Mediterr\u00e1nea, en cuyas orillas emergen las culturas hist\u00f3ricas que acaban conformando la nuestra.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814444880{margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda m2-left-res m2-right-res m2-bottom-res\u00bb]Pilar Burch i de Rocafiguera (1933), <em>Nacimiento de la Mediterr\u00e1nea<\/em>, 1998. Alabastro, bronce y hierro, 91 x 32 x 23 cm. Museu de la Garrotxa.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 90px; top: 62px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column][vc_column width=\u00bb1\/3&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1739805670650{padding-right: 0px !important;padding-left: 0px !important;}\u00bb][vc_single_image image=\u00bb10230&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762869006690{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762937234344{margin-top: 24px !important;margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]En este bajorrelieve figurativo, Merc\u00e8 Bess\u00f3 plasma un momento de intimidad entre madre y criatura. La obra se inserta en una tradici\u00f3n iconogr\u00e1fica con recorrido hist\u00f3rico, pero tambi\u00e9n la renueva. Al alejarse del clasicismo intemporal que solemos asociar con este g\u00e9nero, la imagen deviene m\u00e1s contempor\u00e1nea y con mayor potencial emp\u00e1tico.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814449612{margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda m2-left-res m2-right-res m2-bottom-res\u00bb]Merc\u00e8 Bess\u00f3 Carreras (1968), <em>Maternidad<\/em>, 2002. Terracota, 51,7 x 36 cm. Museu de Reus.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 240px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column][vc_column width=\u00bb1\/3&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1742467780617{padding-right: 0px !important;padding-left: 0px !important;}\u00bb][vc_single_image image=\u00bb10233&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762937200951{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762937227745{margin-top: 24px !important;margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]En la obra de Tura Sanglas ocupan un lugar destacado las piezas derivadas de moldes parciales de su propio cuerpo, peque\u00f1as porciones de su anatom\u00eda, las cuales, descontextualizadas y fragmentarias, permiten arrojar nuevas miradas sobre todo lo que la artista elige mostrarnos. <em>Mama<\/em> es el \u00f3rgano que produce la leche materna y, como tal, permite nutrir la vida. Pero, adem\u00e1s, es una expresi\u00f3n familiar sin\u00f3nimo de madre, hecho que cobra un inter\u00e9s especial cuando sabemos que la madre de Sanglas es tambi\u00e9n artista.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814454244{margin-right: 20px !important;margin-left: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda m2-left-res m2-right-res m2-bottom-res\u00bb]Tura Sanglas (Tura Sanz Sanglas) (1992), <em>Mama<\/em>, 2016. 01. Aluminio, 20 x 13 x 15 cm. Museu d\u2019Art de Girona.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 305px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1770279845031{padding-top: 40px !important;padding-bottom: 94px !important;background: #FFFFFF url(https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2026\/02\/bg.png?id=11204) !important;background-position: center !important;background-repeat: no-repeat !important;background-size: contain !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbbackground-top-center\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1770279904416{padding-top: 100px !important;padding-bottom: 80px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-negro orientation-true\" style=\"\" id=\"la-dimension-publica\">\n        <h2 class=\"fade-in\">La dimensi\u00f3n p\u00fablica<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1770279188304{margin-top: 24px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]La presencia de las mujeres en el campo de la escultura monumental en Catalu\u00f1a, que hab\u00eda empezado en los a\u00f1os cincuenta, se incrementa en la d\u00e9cada de 1990, en parte gracias al impulso que suponen los Juegos Ol\u00edmpicos de Barcelona y los proyectos de remodelaci\u00f3n urban\u00edstica que se encauzan con la intenci\u00f3n de modernizar la ciudad y remodelar algunos de sus barrios, din\u00e1micas que se extienden al resto del territorio. El acceso de las escultoras a este tipo de encargos es significativo, sobre todo porque les otorga una dimensi\u00f3n p\u00fablica de la que no hab\u00edan disfrutado hasta entonces y que les permite dejar su impronta en el espacio p\u00fablico, a la vez que contribuyen a su construcci\u00f3n. <\/p>\n<p>En sinton\u00eda con los estilos imperantes en el \u00e1mbito internacional, muchas de estas escultoras favorecen formas depuradas y geom\u00e9tricas, l\u00edneas sobrias y limpias, claramente alejadas de la figuraci\u00f3n. Se sienten c\u00f3modas con el uso del metal, que a menudo acompa\u00f1an con elementos de orden mineral. No puede ser casualidad que muchas de las artistas que se han dedicado a la escultura monumental hayan empezado sus trayectorias individuales explorando primero la cer\u00e1mica para luego transitar hacia el uso de la madera y el metal.[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb80px\u00bb][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/12&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb5\/12&#8243;][vc_single_image image=\u00bb11201&#8243; img_size=\u00bb500&#215;522&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1771577915433{margin-bottom: 20px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1771577908508{margin-top: 0px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in llegenda\u00bb]Elisa Arimany i Brossa (1933-2023), <em>Games<\/em>. (Proyecto para Atlanta 96), 1996. Hierro oxidado, 50,5 x 57 x 30 cm. Museu d\u2019Art Contemporani de Barcelona.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1771577944458{margin-top: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]En Catalu\u00f1a hay una buena muestra de obra p\u00fablica de Elisa Arimany, sobre todo en el Barcelon\u00e8s y el Vall\u00e8s, pero tambi\u00e9n la encontramos fuera de nuestras fronteras. En Estados Unidos elabora varias esculturas monumentales, destinadas a las ciudades de Miami, Filadelfia, Nueva York y Atlanta. La obra del MACBA es un proyecto en dimensiones reducidas de la erigida en Atlanta con motivo de los Juegos Ol\u00edmpicos de 1996. Utiliza acero Corten, material que la escultora aprecia especialmente y con el que construye un conjunto integrado por formas cil\u00edndricas y cubos abiertos, una reflexi\u00f3n en torno al equilibrio de las masas y del contraste entre los vol\u00famenes plenos y el vac\u00edo.   <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: -12px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10258&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768813504999{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]<em>Dime, dime querido<\/em> es la primera escultura p\u00fablica de Susana Solano. Fue emplazada en Barcelona coincidiendo con los Juegos Ol\u00edmpicos de 1992 y se construy\u00f3 a partir de la obra que se conserva en el MACBA, que data de 1986. Considerada una de las renovadoras del lenguaje escult\u00f3rico en Catalu\u00f1a ya desde los a\u00f1os ochenta, Solano es una de las escultoras actuales con m\u00e1s proyecci\u00f3n fuera de nuestras fronteras, con representaci\u00f3n en las colecciones de los grandes museos internacionales. Sus formas enigm\u00e1ticas y esenciales presentan un uso depurado y contundente de los metales y otros materiales, a veces org\u00e1nicos.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814469990{margin-top: 48px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda fade-in\u00bb]Susana Solano Rodr\u00edguez (1946), <em>Dime, dime querido<\/em>, 1986. Hierro, 25,5 x 29 x 19,5 cm y 15,5 x 10,2 x 6,4 cm. Colecci\u00f3n MACBA. Dep\u00f3sito del Ayuntamiento de Barcelona. \u00a9 Susana Solano, VEGAP, Barcelona. Foto: Cortes\u00eda de la artista.     <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 235px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10261&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762871209729{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]La obra p\u00fablica de la leridana Ant\u00f2nia Aguil\u00f3 est\u00e1 concentrada en la zona de Ponent, aunque tambi\u00e9n est\u00e1 presente en el territorio espa\u00f1ol y en Francia. Azar es representativa de su producci\u00f3n de peque\u00f1o formato, siempre usando formas abstractas, con t\u00edtulos sugerentes y po\u00e9ticos. En escultura monumental, destaca por su ritmo ascendente y por el uso del hierro, a veces combinado con la piedra o el hormig\u00f3n.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814475518{margin-top: 48px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda fade-in\u00bb]Ant\u00f2nia Aguil\u00f3 Pascual (1927-2017), <em>Azar<\/em>, 1981. 01. Escultura en bronce con base de granito, 40 x 16 x 12 cm. Col\u00b7lecci\u00f3 MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida 1325. Donaci\u00f3n de Ant\u00f2nia Aguil\u00f3, 2000.    <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 284px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10264&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1762871301219{margin-top: 48px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]La obra p\u00fablica de \u00c0ngels Freixanet se encuentra en el Bages, el Garraf y el Vall\u00e8s, pero tambi\u00e9n en Francia y Portugal. El hierro es el material por excelencia en su obra. A menudo plegado sobre s\u00ed mismo, perforado y rasgado, el hierro toma las formas ideadas por la artista como si se tratase de un material blando y f\u00e1cilmente maleable. Su escultura comulga con el informalismo y es un canto a la po\u00e9tica de los materiales reciclados, que llevan siempre la huella de lo que hab\u00edan sido.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814485106{margin-top: 48px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda fade-in\u00bb]\u00c0ngels Freixanet i Picanyol (1940), <em>Composici\u00f3n abstracta<\/em>, 1991. Hierro y piedra, 109 x 76 x 15 cm. Biblioteca Museu V\u00edctor Balaguer.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 398px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762871715259{padding-top: 94px !important;padding-bottom: 94px !important;background-color: #000000 !important;background-position: 0 0 !important;background-repeat: no-repeat !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-blanco orientation-false\" style=\"\" id=\"fascinacion-por-el-metal\">\n        <h2 class=\"fade-in\">Fascinaci\u00f3n por el metal<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1770280051143{margin-top: 48px !important;}\u00bb el_class=\u00bbcolor-blanc fade-in\u00bb]El inter\u00e9s de las escultoras por el metal resurge en el \u00faltimo tercio del siglo XX, en parte como respuesta al minimalismo norteamericano y sus vol\u00famenes geom\u00e9tricos, \u00e1ngulos rectos y gran sobriedad compositiva. Hierro, acero, plomo y lat\u00f3n vuelven con fuerza para abrir nuevos horizontes creativos. Se trata de un material que propicia la renovaci\u00f3n de formatos y procedimientos y que, adem\u00e1s, facilita a las artistas alejarse de la representaci\u00f3n.  <\/p>\n<p>La obra conserva la esencia de los elementos que la componen, no enmascara sus especificidades ni se procesa en exceso. Trabajan el metal directamente: lo manipulan, lo acondicionan y lo acomodan, explorando sus capacidades expresivas. Los objetos resultantes se alejan, por lo tanto, del aspecto de las fundiciones en bronce u otros metales que encontramos en la escultura desde hace siglos. Ahora, el metal est\u00e1 en el principio y al final del proceso creativo.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/12&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb5\/12&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10276&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1771577963520{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 20px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1771577969424{margin-top: 0px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda fade-in color-blanc\u00bb]Em\u00edlia Xargay i Pag\u00e8s (1927-2002), <em>Ojo cl\u00ednico<\/em>, 1951-2000. Planchas de lat\u00f3n, 381 x 338 cm. Museu d\u2019Art de Girona.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1771577950077{margin-top: 20px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]Como es el caso de tantas artistas de su generaci\u00f3n, la figura de Xargay es poco conocida hoy en d\u00eda, a pesar de ser una figura destacada de la escena art\u00edstica gerundense de la segunda mitad del siglo XX, particularmente activa entre las d\u00e9cadas de 1970 y 1990. Su profusa producci\u00f3n est\u00e1 bien representada en los fondos del Museu d\u2019Art de Girona y el Museu de l\u2019Empord\u00e0. <em>Ojo cl\u00ednico<\/em> fue un encargo del Colegio de M\u00e9dicos de Girona y presenta un ensamblaje de varias planchas de lat\u00f3n, de las cuales parece emerger el ojo del t\u00edtulo en un claro juego de palabras que alude a la instituci\u00f3n para la cual fue creada. <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: -146px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb][vc_column width=\u00bb1\/2&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1739802355172{padding-right: 0px !important;}\u00bb]<div class=\"comissionariat-card orientation-superior color-blanco\" style=\"height: 640px; \"><div class=\"comissionariat-image background-center-center\" style=\"background-image: url('https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/fig-24.-Sanchez-Cerdanyola_2.jpg'); \"><\/div>\n            <div class=\"comissionariat-card-content-holder\">\n                <div class=\"comissionariat-card-content fade-in\">\n                    <em>Sin t\u00edtulo<\/em> presenta una reflexi\u00f3n acerca de los contornos y los vol\u00famenes a trav\u00e9s de los dos elementos que la integran. Es una suerte de traducci\u00f3n visual del proceso creativo de la artista, que suele empezar dibujando segmentos geom\u00e9tricos sobre papel o cart\u00f3n para luego disponerlos hasta obtener la composici\u00f3n final. A continuaci\u00f3n, esta se repite utilizando planchas de metal soldadas entre ellas, generando formas de l\u00edneas limpias y sobrias, universales.\n                <\/div>\n                <div class=\"comissionariat-card-caption llegenda fade-in\">\n                   <p> Dominica S\u00e1nchez (1945), &lt;em&gt;Sin t\u00edtulo&lt;\/em&gt;, 2008. Hierro pintado, 39 x 24 x 32 cm (izquierda); 78 x 47 x 57 cm (derecha). Museu d\u2019Art de Cerdanyola.  <\/p>\n                <\/div>\n            <\/div>\n        <\/div>[\/vc_column][vc_column width=\u00bb1\/2&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1747308587896{padding-left: 0px !important;}\u00bb]<div class=\"comissionariat-card orientation-superior color-blanco\" style=\"height: 640px; \"><div class=\"comissionariat-image background-center-center\" style=\"background-image: url('https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/fig-25-Cascales-MACBA_2.jpg'); \"><\/div>\n            <div class=\"comissionariat-card-content-holder\">\n                <div class=\"comissionariat-card-content fade-in\">\n                    A pesar de ser un objeto de metal, construido con l\u00e1mina de aluminio, la obra de Carla Cascales hace patente la organicidad, flexibilidad y sutileza de la planta acu\u00e1tica que le da nombre. El tallo que compone <em>Posidonia<\/em> parece oscilar con los vaivenes del agua, ocupando el espacio con equilibrio y delicadeza, con una monumentalidad que no est\u00e1 exenta de ligereza. <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: -53px; top: 178px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>\n                <\/div>\n                <div class=\"comissionariat-card-caption llegenda fade-in\">\n                   <p> Carla Cascales Alimbau (1989), &lt;em&gt;Posidonia&lt;\/em&gt;, 2020. Aluminio y esmalte, 220 x 12 x 0,3 cm. Colecci\u00f3n MACBA. Dep\u00f3sito del Ayuntamiento de Barcelona. \u00a9 Carla Cascales. Foto: Cortes\u00eda de la artista.     <\/p>\n                <\/div>\n            <\/div>\n        <\/div>[\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1770281349234{padding-top: 0px !important;padding-bottom: 94px !important;background-color: #FDFAF3 !important;background-position: center !important;background-repeat: no-repeat !important;background-size: contain !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbbackground-top-center\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762871036965{padding-top: 180px !important;padding-bottom: 80px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb2\/3&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-negro orientation-false\" style=\"\" id=\"poetica-de-la-fragilidad\">\n        <h2 class=\"fade-in\">Po\u00e9tica de la fragilidad<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbfont-gran fade-in\u00bb]Si tradicionalmente la escultura era valorada por aquellas cualidades que le confer\u00edan longevidad y le imprim\u00edan un car\u00e1cter definitivo, en la obra de muchas escultoras contempor\u00e1neas se percibe un inter\u00e9s por todo lo que reviste cierta fragilidad, tanto en los materiales como por el car\u00e1cter intr\u00ednseco de las creaciones, que se alejan de la contundencia y permanencia que convencionalmente asociamos con la disciplina.<\/p>\n<p>El uso de materiales org\u00e1nicos como el papel, el tejido o la madera, junto a otros inorg\u00e1nicos como la ceniza, el vidrio o la porcelana, apunta a la composici\u00f3n de nuestro mundo, de la tierra, pero evoca a su vez la relaci\u00f3n entre natura y cultura. Las particularidades de los diferentes materiales condicionan los proyectos. Las artistas los hacen dialogar entre ellos y el espacio circundante, investigando su comportamiento, observando y explorando sus posibilidades.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10306&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762873758052{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814524034{margin-top: 48px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda width-80 fade-in\u00bb]Aur\u00e8lia Mu\u00f1oz Ventura (1926-2011),<em> Sin t\u00edtulo <\/em>(Dos figuras), s. d. Papel hecho a mano, 25 x 25 x 25 cm. Museu de l\u2019Empord\u00e0.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 337px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768813621399{margin-bottom: 46px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]Aur\u00e8lia Mu\u00f1oz es reconocida internacionalmente por sus creaciones en el campo del tapiz, al que se consagra principalmente desde la d\u00e9cada de 1960 hasta principios de los a\u00f1os ochenta. Posteriormente, desarrolla un inter\u00e9s hacia el trabajo con el papel hecho a mano, una forma de seguir reivindicando la artesan\u00eda como veh\u00edculo de expresi\u00f3n cultural. Las tonalidades azuladas de <em>Sin t\u00edtulo (Dos figuras)<\/em>, as\u00ed como su car\u00e1cter org\u00e1nico, apuntan al mar y a los seres que habitan en \u00e9l.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 97px; top: 206px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10297&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762872972551{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1770281579376{margin-top: 48px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda\u00bb]Estela Saez Vilanova (1977), <em>Del g\u00e9nesis al apocalipsis<\/em> (serie \u201cCasiopea\u2019s World\u201d), 2007. Ceniza, plata y vidrio, 9 x 5 x 6 cm. Museu de l\u2019Empord\u00e0.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 368px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768813630052{margin-bottom: 46px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]En la serie \u201cCasiopea\u2019s World\u201d, Estela Saez combina el vidrio, los metales y los materiales naturales para crear objetos de peque\u00f1as dimensiones que presentan formas biom\u00f3rficas. Evocan organismos vivos, extra\u00f1os e ins\u00f3litos, a veces inquietantes, que se acercan a lo real desde lo imaginario, enlaz\u00e1ndolo con el gusto por lo on\u00edrico propio del surrealismo. El t\u00edtulo de la obra, <em>Del g\u00e9nesis al apocalipsis<\/em>, parece aludir al car\u00e1cter finito de la vida, al principio y fin inevitables de toda existencia.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 321px; top: 134px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/3&#8243;][vc_single_image image=\u00bb11208&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1770281503601{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1770281582371{margin-top: 48px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda width-80 fade-in\u00bb]Patr\u00edcia Maseda Calamita (1977), <em>Pandora<\/em>, 2018. 2018. Papel kraft y bronce, 33 x 47 x 21 cm. Museu d\u2019Art de Cerdanyola.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1770281632156{margin-top: 20px !important;margin-bottom: 46px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in\u00bb]<\/p>\n<p class=\"p1\">El papel es un material fundamental en el trabajo de Patr\u00edcia Maseda, pero no el \u00fanico. En su producci\u00f3n descubrimos tambi\u00e9n la malla de cart\u00f3n y el cuero, entre otros, solos o combinados con el cuarzo, el m\u00e1rmol, el hueso, el pl\u00e1stico\u2026 que la artista manipula y dispone para crear una mir\u00edada de figuras surgidas del universo de la mitolog\u00eda y las leyendas. Los rasgos elusivos del rostro de Pandora nos interpelan y nos permiten intuir la fuerza que se oculta tras una aparente fragilidad.  <\/p>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1741346385787{padding-top: 140px !important;background-color: #000000 !important;}\u00bb z_index=\u00bb\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1762874676728{padding-top: 46px !important;padding-bottom: 180px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb5\/6&#8243;]<div class=\"comissionariat-title color-blanco orientation-false\" style=\"\" id=\"de-viva-voz\">\n        <h2 class=\"fade-in\">De viva voz<\/h2><\/div>[vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbfont-gran color-blanc width-80 fade-in\u00bb]Las trayectorias, obras y contextos de las escultoras del siglo XX nos permiten trazar genealog\u00edas entre mujeres, es decir, dibujar constelaciones de ideas y relatos que se vinculan entre s\u00ed. De igual modo, podemos interpretar lo que nos cuentan las artistas actuales, en activo hoy en d\u00eda, como fruto de su voluntad de establecer lazos, de dialogar, tanto con la generaci\u00f3n del presente como con las del futuro. <\/p>\n<p>A trav\u00e9s de la escultura, comparten vivencias propias, desvelando parte de su universo \u00edntimo. Escuchar sus voces nos puede remitir a una realidad compartida, no exenta de \u00e1reas de conflicto ni de retos de futuro. Estos relatos, armados en primera persona, a menudo sobrecogedores, incitan a reflexionar sobre nuestra conexi\u00f3n con otras personas, pero tambi\u00e9n con nosotras mismas. Nos invitan a vivir, a relacionarnos y a pensarnos, a la vez que demuestran la capacidad de agencia y de transformaci\u00f3n del arte.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1768814916313{margin-bottom: 60px !important;}\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/5&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10312&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1769428643502{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1769428837685{margin-top: 48px !important;margin-bottom: 46px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]El inter\u00e9s de Isabel Granollers por el valor simb\u00f3lico y emocional de los elementos cotidianos, as\u00ed como por las texturas y sensaciones aportadas por los materiales humildes y familiares, queda perfectamente patente en <em>La mujer pedestal<\/em>. Dos figuras muy parecidas, colocadas una junto a la otra, enigm\u00e1ticas pero cercanas, r\u00fasticas y tel\u00faricas. Son la expresi\u00f3n de una de las vocaciones de la artista, la de crear objetos que sean capaces de hospedar y vehicular memorias, conservar fragmentos de vida, pero tambi\u00e9n voces y silencios.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 384px; top: 110px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc\u00bb]Isabel Granollers (1965), <em>La mujer pedestal<\/em>, 2006. Material textil, 110 x 64 x 49 cm. Museu de Reus.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 177px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/5&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10318&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1768813822819{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1769428686916{margin-bottom: 46px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]En <em>Que los \u00e1rboles no te impidan ver,<\/em> Rosa Cortiella juega con la tensi\u00f3n entre la literalidad de la expresi\u00f3n que conforma el t\u00edtulo y su sentido figurado. En ella encontramos los \u00e1rboles en su dimensi\u00f3n f\u00edsica, troncos de superficie rugosa que se elevan hacia el cielo, coloreados con distintas tonalidades de verde. Pero, a su vez, intuimos el bosque: aquello que, seg\u00fan el refr\u00e1n, los \u00e1rboles no nos deben impedir ver. La artista reflexiona sobre nuestra tendencia a conceder demasiada atenci\u00f3n a lo parcial, superfluo o m\u00e1s trivial, sin ser capaces de percibir la situaci\u00f3n en su conjunto, desde la distancia y en toda su magnitud. Es una invitaci\u00f3n a ir m\u00e1s all\u00e1, a trascender la inmediatez del aqu\u00ed y ahora, a seguir haciendo camino.    <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 266px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc\u00bb]Rosa Cortiella (1965), <em>Que los \u00e1rboles no te impidan ver,<\/em> 2007. Arcilla blanca y esmaltes, 2,4 x 12 x 12 cm. Museu del Disseny de Barcelona-Dhub. Foto: Guillem Fern\u00e1ndez-Huerta.    <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 434px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/5&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10309&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1768813832474{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814859259{margin-bottom: 46px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]Ma\u00efs trabaja aqu\u00ed una de sus tem\u00e1ticas por excelencia, los sentimientos y las emociones humanas, en este caso llevadas al l\u00edmite. La suya es una pr\u00e1ctica art\u00edstica comprometida, feminista, contundente. Desde sus inicios con el esmalte, ha transitado hacia otros materiales, entre los que encontramos los metales y otros elementos no convencionales, que le permiten explorar simbolog\u00edas que hacen referencia a su universo personal y a su visi\u00f3n del mundo en que vivimos.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc\u00bb]Ma\u00efs (Marisa Jorba Nadal) (1959), <em>Grito angustiado<\/em>, siglo XX. Hierro, esmalte y vidrio. Diputaci\u00f3 de Tarragona. Museu d&#8217;Art Modern. Arxiu Fotogr\u00e0fic. Alberich fot\u00f2grafs.     <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 334px; top: 38px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/5&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10321&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1768813870521{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1768814865775{margin-bottom: 46px !important;}\u00bb el_class=\u00bbfade-in color-blanc\u00bb]Es sabido que ciertas rondallas y canciones populares han transmitido, generaci\u00f3n tras generaci\u00f3n, valores y posicionamientos patriarcales que fomentan y perpet\u00faan estereotipos de g\u00e9nero. Las obras de Rosa Brugat y Marina Ramoneda visualizan y denuncian las violencias infligidas a las mujeres a trav\u00e9s de la m\u00fasica y los cuentos de toda la vida, que forman parte de nuestro patrimonio inmaterial y tradicionalmente se hab\u00edan considerado inocuos.[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbllegenda color-blanc\u00bb]Rosa Brugat Batller (1956), <em>El Gallo y la Gallina estaban en el balc\u00f3n<\/em>, s. d. T\u00e9cnica mixta, 36 x 48,5 x 3,5 cm. Museu de l\u2019Empord\u00e0.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 31px; top: 62px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/5&#8243;][vc_single_image image=\u00bb10315&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1768813807116{margin-bottom: 36px !important;}\u00bb qode_css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1769428812468{margin-top: 24px !important;}\u00bb el_class=\u00bbllegenda width-80 fade-in color-blanc\u00bb]Marina Ramoneda (1984), <em>Caperucita<\/em> (<em>Para comerte mejor<\/em>), 2006. Fieltro, cinta y espinas de rosal, 75 x 67 x 10 cm. Museu d\u2019Art de Sabadell.  <\/p>\n<div id=\"gtx-trans\" style=\"position: absolute; left: 277px; top: -10px;\">\n<div class=\"gtx-trans-icon\"><\/div>\n<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row]<\/p>\n<\/div>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"<p>[vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb bg_type=\u00bbbg_color\u00bb z_index=\u00bb\u00bb bg_color_value=\u00bb#000000&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1746632125762{background-color: #000000 !important;}\u00bb anchor=\u00bbhero\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner][vc_empty_space height=\u00bb368px\u00bb][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb5\/6&#8243;][vc_column_text css=\u00bb\u00bb el_class=\u00bbcolor-blanc m3-bottom-res\u00bb] Genealog\u00edas femeninas en la escultura catalana [\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner][vc_empty_space height=\u00bb190px\u00bb][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb&#8230;<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"parent":0,"menu_order":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","template":"page-templates\/page-comissionariat.php","meta":{"_acf_changed":false,"inline_featured_image":false,"_vp_format_video_url":"","_vp_image_focal_point":[],"footnotes":""},"class_list":["post-11330","page","type-page","status-publish","hentry"],"acf":[],"yoast_head":"<!-- This site is optimized with the Yoast SEO plugin v27.2 - 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