{"id":4083,"date":"2023-03-09T17:01:05","date_gmt":"2023-03-09T15:01:05","guid":{"rendered":"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/maneres-de-dir-jo\/"},"modified":"2024-08-08T14:41:26","modified_gmt":"2024-08-08T12:41:26","slug":"maneres-de-dir-jo","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/es\/maneres-de-dir-jo\/","title":{"rendered":"Maneras de decir yo"},"content":{"rendered":"<div class=\"wpb-content-wrapper\"><p>[vc_row css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbyes\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb row_negative_margin=\u00bbdisable_negative_margin\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#337581&#8243; padding_bottom=\u00bb0&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1678374206743{padding-right: 20% !important;padding-left: 20% !important;background-image: url(https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2023\/03\/header_expo-1.webp?id=2001) !important;}\u00bb][vc_column el_class=\u00bbmuseutit\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb172px\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1684488610237{padding-right: 0px !important;padding-left: px !important;}\u00bb]<\/p>\n<h2 class=\"text-intro\" style=\"text-align: left;\"><span style=\"color: #ffffff;\">Maneras de decir yo<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Autorretrato y mujeres en la Xarxa de Museus d\u2019Art de Catalunya<\/span><\/h2>\n<p>[\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1684488646105{padding-left: 5px !important;}\u00bb]<\/p>\n<h4 style=\"text-align: left;\"><span style=\"color: #ffffff;\">Comisaria: Cristina Masan\u00e9s<\/span><\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h4><strong><span style=\"color: #ffffff;\">35 obras<br \/>\n32 artistas<br \/>\n9 museos: Museu d\u2019Art de Cerdanyola \/ Museu d\u2019Art Contemporani de Barcelona \/ Museu d\u2019Art de Girona \/ Museu d\u2019Art de Sabadell \/ MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida \/ Museu d\u2019Art Modern de Tarragona \/ Museu de l\u2019Empord\u00e0 \/ Museu de Manresa \/ Museu Nacional d\u2019Art de Catalunya<\/span><\/strong><\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb152px\u00bb][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bbelement_from_right\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbyes\u00bb angled_section_position=\u00bbtop\u00bb angled_section_direction=\u00bbfrom_right_to_left\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb el_id=\u00bbtement\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#ffffff\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1687365130807{padding-right: 10px !important;padding-left: 10px !important;}\u00bb][vc_column][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner][vc_empty_space height=\u00bb52px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h4>El yo es una idea bastante moderna. En primera instancia, en el siglo XVII, se tuvo que formular como concepto. Despu\u00e9s, en el XVIII, en pintura se fue imponiendo el autorretrato. Y finalmente, en el XIX, entre la burgues\u00eda triunf\u00f3 el h\u00e1bito de registrar la intimidad en diarios personales. Y es que la modernidad impuls\u00f3 una noci\u00f3n de la identidad como un proceso introspectivo que hace emerger de las profundidades del alma un yo supuestamente aut\u00e9ntico. Ya sea el yo pensando del ensayo, el retrato pintado o la voz privada de quien escribe un diario, lo que est\u00e1 en juego es la pregunta, siempre inc\u00f3moda, de quien responde a mi nombre.<\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb22px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2009&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb22px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h4>En la pr\u00e1ctica moderna del autorretrato, los artistas \u2013hombres, por supuesto\u2013 a menudo se presentan como creadores magistrales o almas torturadas. Se muestran en el estudio, pero tambi\u00e9n interpretando papeles sociales o desplegando v\u00ednculos, ya sean familiares, de maestr\u00eda o de mecenazgo. En cuanto a las artistas, si bien se las ha presentado mayoritariamente como objetos y rara vez como sujetos, no es cierto que no se hayan autorretratado. Como un gesto reivindicativo de sujeto \u2013hab\u00eda mucho trabajo por hacer, en este sentido-, como resultado del inter\u00e9s por la propia imagen o por una privilegiada conciencia f\u00edsica, disponemos tambi\u00e9n de autorretratos firmados por mujeres. Y m\u00e1s de los que pudiera parecer a primera vista<\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb22px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h4>Este es un trayecto virtual por las colecciones de los museos de la Xarxa de Museus d&#8217;Art de Catalunya, en el que seguimos la l\u00ednea trazada por los diferentes autorretratos realizados por mujeres. Son muy pocas las artistas que se pintan pintando. Los primeros cuadros, de finales del siglo XIX, incorporan el canon pict\u00f3rico del retrato. Pero es a partir de los a\u00f1os sesenta cuando la autorrepresentaci\u00f3n por parte de las artistas se hace plenamente plural, expandiendo la propia noci\u00f3n de autorretrato. Es evidente que el feminismo ha tenido mucho que ver, pero tambi\u00e9n la idea de un sujeto poroso vinculado a la postmodernidad y la libertad asociada al arte contempor\u00e1neo<\/h4>\n<h4>Autorrepresentarse no es f\u00e1cil, incluso en los tiempos del selfie. Adem\u00e1s de la habilidad t\u00e9cnica, se necesita una cierta honestidad psicol\u00f3gica: ser capaz de construir acertadamente una imagen propia en la que me reconozca. Huelga decir que, en este proceso, el rostro es la parte m\u00e1s importante del pastel, y con el rostro, la mirada, claro. Pero esto es solo la punta del iceberg de la autorrepresentaci\u00f3n. Os invitamos a seguir algunas de sus derivas, avisando del peligro perform\u00e1tico de la imagen propia: no sea que diciendo como soy, me acabara pareciendo<\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_empty_space height=\u00bb152px\u00bb][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bbelement_from_left\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb angled_section=\u00bbyes\u00bb angled_section_position=\u00bbtop\u00bb angled_section_direction=\u00bbfrom_left_to_right\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#e2e2e2&#8243; el_id=\u00bbguerra\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1687365140858{padding-right: 10px !important;padding-left: 10px !important;}\u00bb][vc_column][vc_empty_space height=\u00bb92px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h2 class=\"second-title\" style=\"text-align: center;\">Anatom\u00edas<\/h2>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb18px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h4>Son muchos los retratos que, siguiendo el canon de la tradici\u00f3n, se concentran en el rostro y en la mirada, buscando aquello que les es propio. A veces es la amplitud de los p\u00f3mulos, la torsi\u00f3n de la cabeza o la intensidad de los ojos. Pepita Teixidor, Trini Sotos, Maria Teresa Ripoll, Maria Noguera, Joaquim Casas y Ana Maria Smith se han decantado por esta opci\u00f3n. No tenemos ninguna figura completa; como mucho, retratos de tres cuartos. Tampoco tenemos ning\u00fan cuerpo fragmentado hasta bien avanzado el siglo XX, cuando, en una clara metonimia, las artistas deciden tomar una parte por el todo. Manos, pies, pechos, coraz\u00f3n, pulmones y otras anatom\u00edas centran los trabajos de Ana S\u00e1nchez, Ester Fabregat o Laura Cirera. \u00bfEs el cuerpo fragmentado del sujeto contempor\u00e1neo? \u00bfO es la esencialidad prehist\u00f3rica que tan bien invoca Ana Mendieta con su autorretrato en una hoja? Y es que, tambi\u00e9n en arte, el yo a menudo se expresa con el cuerpo<\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bbelement_from_left\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#e2e2e2&#8243;][vc_column][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb]<div id=\"ult-carousel-86673351869e0f5528fbf3\" class=\"ult-carousel-wrapper  comi ult_horizontal\" data-gutter=\"15\" data-rtl=\"false\" ><div class=\"ult-carousel-286943016069e0f5528fb31 \" >[vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2025&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1684488975757{padding-left: 10px !important;}\u00bb]<strong>Ana Mendieta<\/strong>,<em>Sin t\u00edtulo <\/em>(<em>Leaf Drawing<\/em>), 1982<br \/>\nHoja de \u00e1rbol y tinta. 20 x 14 cm<br \/>\nColecci\u00f3n MACBA. Fundaci\u00f3 MACBA.<br \/>\nDep\u00f3sitoBrondesbury Holdings Ltd.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Mujer, inmigrada i latina<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Ana Mendieta (La Habana, 1948 \u2013 Nueva York, 1985) es un nombre m\u00edtico del feminismo de los a\u00f1os setenta. En su breve trayectoria (solo trece a\u00f1os de trabajo art\u00edstico, hasta que muri\u00f3 asesinada) opt\u00f3 por el land art, el body art y la performance. Ella hablaba del \u201ccuerpo de tierra\u201d para describir su aproximaci\u00f3n al arte, en la que incorporaba su figura o su huella en la naturaleza. Con un gran lirismo y una simplicidad comunicativa sorprendente, sus dibujos, realizados sobre hojas, nos conectan de una manera silenciosa y directa con los primeros autorretratos de una humanidad preling\u00fc\u00edstica.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2027&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Trini Sotos<\/strong>, <em>Autorretrato, <\/em>1946<br \/>\nOleo sobre tela. 54,5 x 45,5 cm<br \/>\nColecci\u00f3n del Museu d\u2019Art de Sabadell[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">\u00bfPor qu\u00e9 borra la l\u00ednea?<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Cuando <strong>Trini Sotos<\/strong> (Sabadell, 1927) se autorretrat\u00f3, ten\u00eda 19 a\u00f1os. A los doce, hab\u00eda ganado el concurso infantil de la Academia de Bellas Artes de Sabadell y la familia la apunt\u00f3 a las clases de Antoni Vila Arrufat hasta los diecinueve a\u00f1os, cuando se matricul\u00f3 en la facultad de Bellas Artes de Barcelona. Su autorretrato pertenece a esta \u00e9poca. \u00bfPor qu\u00e9 borra la l\u00ednea y elige el sfumato, este efecto pict\u00f3rico que distancia la figura? \u00bfQu\u00e9 nos transmite esta oscuridad? Si bien nos observa con mirada fr\u00e1gil, su decisi\u00f3n de ser pintora ya estaba tomada. Una decisi\u00f3n que la llev\u00f3 a formarse en Venecia, Par\u00eds y Nueva York, para finalmente instalarse en Santander, en 1970<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2028&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Maria Noguera<\/strong>, <em>Autorretrato, c.<\/em> 1935<br \/>\nPintura sobre tela. 47 x 38,5 cm<br \/>\nMuseu de Manresa[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Gira la cabeza y nos observa<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Una chica gira la cabeza y nos observa. Tiene 24 a\u00f1os y, apoyada por el entorno familiar, quiere hacer del arte su profesi\u00f3n. Hija de uno de los fundadores del Orfe\u00f3 Manres\u00e0, <strong>Maria Noguera<\/strong> (Manresa, 1906-2002) se inscribe en la Escola d&#8217;Arts i Oficis de Manresa para luego ir a la Escola Massana y a la Llotja de Barcelona. Es aqu\u00ed, en las clases de Miquel Soldevila, donde descubre que lo que realmente le interesa son los esmaltes. Despu\u00e9s de la guerra, esta esmaltadora y pintora recibe muchos encargos de arte sacro, que compagina con la docencia y la producci\u00f3n art\u00edstica propia. No sabemos si se volvi\u00f3 a retratar. Sabemos que esta figura derrocha energ\u00eda gracias a la mirada y la torsi\u00f3n del gesto<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2030&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Ana Maria Smith i Mar\u00ed<\/strong>, <em>Autorretrato<\/em>, 1917.<br \/>\nMuseu d\u2019Art de Cerdanyola<br \/>\nDip\u00f2sit Enrique Garc\u00eda-Herr\u00e1iz[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Tras el velo de un sombrero a la moda<\/div>\n<div class=\"subtitol\">El \u00e9xito del hermano, el escultor, dibujante y personaje inclasificable Ismael Smith, casi borr\u00f3 el nombre y el trabajo de <strong>Ana Mar\u00eda Smith i Mar\u00ed<\/strong> (Barcelona, 1889 &#8211; Irvington, Nueva York, 1954). Esta ilustradora y dibujante modernista opt\u00f3 por la caricatura refinada y un cierto decadentismo. En un contexto familiar adinerado y muy singular (cuatro hijos que siempre vivieron juntos y nunca nadie tuvo descendencia), en 1919, dos a\u00f1os despu\u00e9s de este autorretrato, la familia se instal\u00f3 en Nueva York. Entre las pocas obras suyas que se han conservado, su retrato transmite la alegr\u00eda por la vida: una joven nos mira con complicidad tras el velo de un sombrero a la moda, con colorete en las mejillas y lunar incluidos<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2032&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Maria Teresa Ripoll<\/strong>, <em>Autorretrato<\/em>, 1948<br \/>\nDibujo al grafito sobre papel. 48 x 32 cm<br \/>\nMuseu d\u2019Art Modern de Tarragona[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Quiz\u00e1s una renuncia<\/div>\n<div class=\"subtitol\"><strong>Maria Teresa Ripoll<\/strong> (Tarragona, 1914-1987) accedi\u00f3, en 1935, al Taller-Escola d&#8217;Art de la Generalitat en Tarragona, un experimento mod\u00e9lico en la ense\u00f1anza de las artes pl\u00e1sticas en Catalu\u00f1a, obteniendo una de las dos becas de escultura que se daban en dicho centro. Con una obra realista cercana al novecentismo, inici\u00f3 una trayectoria que pronto abandon\u00f3: cuando en 1948 se traslad\u00f3 a Roma y despu\u00e9s a La Habana por motivos profesionales de su marido, dej\u00f3 la escultura. Por tanto, este un retrato de un momento de paso, quiz\u00e1s una renuncia. Si bien el cuerpo se muestra apenas esbozado, destaca la contundencia de la mirada. \u00bfQu\u00e9 mensaje contiene?<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2034&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Joaquima Casas<\/strong>, <em>Autorretrato<\/em>, 1996<br \/>\nAcuarela sobre papel. 55,7 x 45,5 cm<br \/>\nMuseu d\u2019Art de Girona. Dip\u00f2sit Generalitat de Catalunya. Col\u00b7lecci\u00f3 Nacional d\u2019Art[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Un yo expuesto a la mirada ajena<\/div>\n<div class=\"subtitol\">La ventana, la puerta o el espejo son recursos habituales en la autorrepresentaci\u00f3n pict\u00f3rica. Si bien el espejo tiene unas connotaciones claramente filos\u00f3ficas, la ventana, como en esta acuarela de <strong>Joaquima Casas<\/strong> (Girona, 1931), funciona como elemento arquitect\u00f3nico, un punto de apoyo para un yo expuesto a la mirada ajena. Un autorretrato en edad de madurez de una artista que, despu\u00e9s de vivir cuarenta a\u00f1os en Egipto, ha vuelto a Girona. No es la primera vez que la artista se retrata. Para su autorretrato de madurez, ha escogido la figura de tres cuartos y los tonos suaves en que el cuerpo se confunde con el fondo para conferir todo el protagonismo al rostro, de una gran serenidad, y a las manos, castigadas por los a\u00f1os<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb92px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2035&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Laura Cirera<\/strong>, <em>Serie Anatom\u00eda descriptiva<\/em>, 1999<br \/>\nEstampado sobre gasa hidr\u00f3fila. 18,5 x 18,5 cm cada uno<br \/>\nColecci\u00f3n MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Cerebro, pulmones, coraz\u00f3n, ri\u00f1ones, h\u00edgado, est\u00f3mago<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Cerebro, pulmones, coraz\u00f3n, ri\u00f1ones, h\u00edgado, est\u00f3mago. <strong>Laura Cirera<\/strong> (Alpicat, 1971) ha optado por un retrato org\u00e1nico del yo. Si bien en otras propuestas ha llevado a cabo una exposici\u00f3n perform\u00e1tica del sujeto artista (como en la acci\u00f3n Individuo in\u00fatil, en la que se mostraba en la calle, descalza y pidiendo dinero, con un papel en la mano donde se pod\u00eda leer \u00abartista\u00bb), en este caso realiza una aproximaci\u00f3n anat\u00f3mica a la idea del cuerpo. La gasa hidr\u00f3fila, este tejido de algod\u00f3n de uso sanitario y dimensiones reducidas, convertido en materia art\u00edstica, evoca una fragilidad extrema. El color rojo de los \u00f3rganos representados aporta el elemento sangu\u00edneo. Una serie en la que la factura manual toma todo el protagonismo, al tiempo que se produce una reversi\u00f3n contempor\u00e1nea del estudio anat\u00f3mico.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb92px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2036&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Ana S\u00e1nchez<\/strong>, <em>Sin t\u00edtulo<\/em>, 2002<br \/>\nT\u00e9cnica mixta sobre papel. 125 x 182 cm<br \/>\nMuseu d\u2019Art Modern de Tarragona[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">\u00bfManos? \u00bfpiel animal?<\/div>\n<div class=\"subtitol\"><strong>Ana S\u00e1nchez<\/strong> (Salamanca, 1964) trabaja con las manos. Con propuestas de gran lirismo, utiliza telas, libros y materiales impresos para construir objetos que privilegian la idea de textura y de sensorialidad t\u00e1ctil. La mano se convierte un elemento central de su idea y pr\u00e1ctica del arte. Es as\u00ed como esta composici\u00f3n fotogr\u00e1fica, construida como un mosaico de manos, alcanza un sentido plenamente autorrepresentativo. Mirado desde la distancia, su conjunto de manos adquiere un aire de piel de serpiente y dibuja un movimiento claramente org\u00e1nico. \u00bfManos? \u00bfPiel animal? \u00bfMovimiento tect\u00f3nico?<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb92px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2038&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Ester Fabregat<\/strong>, <em>Piel de tetas<\/em>, 2010<br \/>\nT\u00e9cnica fotogr\u00e1fica, vestido de polipropilneno y percha de madera<br \/>\n2 fotografias, 1 vestido y 1 percha. Dimensiones variadas<br \/>\nMuseu d\u2019Art Modern de Tarragona[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">\u00bfQu\u00e9 cuerpo me dice?<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Enfundada dentro de una segunda piel de polipropileno de color carne y unas largas protuberancias a modo de pechos, <strong>Ester Fabregat<\/strong> (Tarragona, 1977) se sumerge en el agua, un medio l\u00edquido que le permite ensayar nuevos movimientos y nuevas maneras de estar en el mundo. Si la idea de metamorfosis estructura buena parte de su trabajo, en Piel de tetas se vale de una nueva epidermis identitaria que altera el volumen de su cuerpo. Una obra de lectura m\u00faltiple y dimensi\u00f3n mitol\u00f3gica que remite, de una manera muy directa, al trayecto que supone la construcci\u00f3n corporal de la identidad. \u00bfQu\u00e9 cuerpo me dice?, pregunta dentro del agua<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner]<\/div><\/div>\t\t\t<script type=\"text\/javascript\">\n\t\t\t\tjQuery(document).ready(function ($) {\n\t\t\t\t\tif( typeof jQuery('.ult-carousel-286943016069e0f5528fb31').slick == \"function\"){\n\t\t\t\t\t\t$('.ult-carousel-286943016069e0f5528fb31').slick({dots: false,autoplay: true,autoplaySpeed: \"5000\",speed: \"300\",infinite: true,arrows: true,nextArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Next\" style=\"color:#333333; font-size:45px;\" class=\"slick-next default\"><i class=\"ultsl-arrow-right4\"><\/i><\/button>',prevArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Previous\" style=\"color:#333333; font-size:45px;\" class=\"slick-prev default\"><i class=\"ultsl-arrow-left4\"><\/i><\/button>',slidesToScroll:1,slidesToShow:1,swipe: true,draggable: true,touchMove: true,pauseOnHover: true,pauseOnFocus: false,responsive: [\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1026,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1,  \n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1025,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 760,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t\t\t],pauseOnDotsHover: true,customPaging: function(slider, i) {\n                   return '<i type=\"button\" style= \"color:#333333;\" class=\"ultsl-record\" data-role=\"none\"><\/i>';\n                },});\n\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t});\n\t\t\t<\/script>\n\t\t\t[vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb angled_section=\u00bbyes\u00bb angled_section_position=\u00bbtop\u00bb angled_section_direction=\u00bbfrom_left_to_right\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1687365164490{padding-right: 10px !important;padding-left: 10px !important;}\u00bb][vc_column][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h2 class=\"second-title\" style=\"text-align: center;\">Un yo biogr\u00e1fico<\/h2>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb18px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h4>A veces la anatom\u00eda no es suficiente y emerge un yo biogr\u00e1fico. Un yo que no se reconoce en el momento congelado y se ubica en la temporalidad de la vida. Son los retratos en los que se cuenta una historia de vida y en los que la imagen propia se construye como un relato: es el retorno de Fina Miralles o de la juventud fotografiada de Cristina N\u00fa\u00f1ez. Es el v\u00ednculo con la madre evocado por Ana Mar\u00edn, el di\u00e1logo con el padre de Andrea Ler\u00edn, la maternidad uterina de Mari Chord\u00e0, el \u00e1lbum familiar de Carme Coma y Montse Gomis o la figura de la hermana de Barbara Stammel. En unas y otras, hay un sujeto abocado al tiempo y a la trama, inagotable, de relaciones y v\u00ednculos<\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bbelement_from_right\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbyes\u00bb angled_section_position=\u00bbtop\u00bb angled_section_direction=\u00bbfrom_right_to_left\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#ffffff\u00bb anchor=\u00bbdramatisme\u00bb el_id=\u00bbdramatisme\u00bb][vc_column]<div id=\"ult-carousel-169009802669e0f5528fccb\" class=\"ult-carousel-wrapper  comi ult_horizontal\" data-gutter=\"15\" data-rtl=\"false\" ><div class=\"ult-carousel-365597130369e0f5528fcb0 \" >[vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb122px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2049&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Anna Mar\u00edn<\/strong>, <em>La source I \/ 12 de abril<\/em>, 1965 &#8211; 2003.<br \/>\nFotograf\u00eda. 100 x 150 cm<br \/>\nMuseu de l\u2019Empord\u00e0[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">El mito del origen<\/div>\n<div class=\"subtitol\">En 2003, <strong>Anna Mar\u00edn<\/strong> present\u00f3 este d\u00edptico fotogr\u00e1fico en una exposici\u00f3n en Figueres, su ciudad natal: una composici\u00f3n que evoca su nacimiento y la figura materna. La imagen de la derecha, con las velas de una mezquita de Estambul, contiene un homenaje privado a la madre; mientras que el retrato prematuro de la artista en blanco y negro recupera, de una manera evidente, el mito del origen. La relaci\u00f3n con la madre como v\u00ednculo \u00fanico y originario se confunde aqu\u00ed con el primer retrato de un yo reci\u00e9n llegado al mundo<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2050&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Montse Gomis<\/strong>, <em>Serie autorretratos<\/em>, 1999<br \/>\nCollage. Fotograf\u00eda, transfer y collage sobre papel<br \/>\n23 piezas. Dimensiones variadas<br \/>\nMuseu d\u2019Art Modern de Tarragona[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Veintitr\u00e9s momentos de vida<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Veintitr\u00e9s momentos de vida propia documentados fotogr\u00e1ficamente. <strong>Montse Gomis<\/strong> (Valls, 1954) condensa 45 a\u00f1os vividos en un ejercicio de autorretrato. Siempre en blanco y negro, algunas de sus im\u00e1genes documentan momentos de tr\u00e1nsito como la comuni\u00f3n, mientras que otros tienen un car\u00e1cter privado que solo la artista conoce. Acompa\u00f1adas de t\u00edtulos en lat\u00edn (Eventus, Germen, Comunnio&#8230;), la artista dibuja peque\u00f1as figuras encima de las fotograf\u00edas en una realidad paralela hecha de nubes, castillos, coronas o chimeneas. Un mosaico de elementos simb\u00f3licos que amplifican el car\u00e1cter narrativo del conjunto y la idea del yo como relato de vida<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb42px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2051&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Carme Coma<\/strong>, <em>Autorretrato para el \u00e1lbum familiar.<\/em> 1975<br \/>\nCer\u00e1mica vidriada. 18,5 x 37 cm<br \/>\nMuseu d\u2019Art de Girona, n\u00fam. reg. 137.379. Fondo peri\u00f3dico <em>Avui<\/em>. Dep\u00f3sito Generalitat de Catalunya. Colecci\u00f3n Nacional de Arte. Foto: R. Bosch.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">El paso de los d\u00edas<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Si bien se trata de una obra inicial, <strong>Carme Coma<\/strong> (Barcelona, 1950) ya incorpora el elemento fotogr\u00e1fico en el material cer\u00e1mico, caracter\u00edstica que desarrollar\u00e1 y que acabar\u00e1 definiendo su trabajo como ceramista. En su autorretrato, inserta su fotograf\u00eda sonriente en un supuesto \u00e1lbum familiar. Est\u00e1 formado por peque\u00f1as placas de cer\u00e1mica, cuatro de ellas incorporan variaciones m\u00ednimas de su imagen y, otras cuatro, experimentos con la materia, como por ejemplo grietas o agujeros regulares. Destaca la idea de serie o repetici\u00f3n, quiz\u00e1 como una referencia al paso de los d\u00edas impl\u00edcito en la misma idea del \u00e1lbum familiar<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb62px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2052&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Cristina N\u00fa\u00f1ez<\/strong>, <em>Monegros<\/em>, 1996<br \/>\nFotograf\u00eda. 20 x 30 cm<br \/>\nMuseu d\u2019Art de Girona. Dep\u00f3sito Generalitat de Catalunya. Colecci\u00f3n Nacional de Arte.[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Antes del selfie<\/div>\n<div class=\"subtitol\">A los veintis\u00e9is a\u00f1os, la pr\u00e1ctica del autorretrato la salv\u00f3 de la hero\u00edna. Desde entonces, esta forma de conocimiento, encarnada en la representaci\u00f3n propia, ha centrado el trabajo de <strong>Cristina N\u00fa\u00f1ez<\/strong> (Figueres, 1962), tanto en su faceta pl\u00e1stica como did\u00e1ctica. Los t\u00edtulos de sus obras y exposiciones hablan por s\u00ed solos: We exist, I am an old woman, Self-portrait is prison, Close to me o Higher Self. Entre sus m\u00faltiples autorretratos, Monegros es un trabajo de juventud: una secuencia de doce peque\u00f1as im\u00e1genes mirando a la c\u00e1mara y con el campo aragon\u00e9s al fondo como si se tratara de una hoja de contactos. Con una chaqueta de piel oscura que refuerza la aridez del fondo, y con una gran dureza en la mirada, la artista mira fijamente a la c\u00e1mara en una exploraci\u00f3n visual del yo antes del selfie<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb42px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2053&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Andrea Ler\u00eda<\/strong>, <em>Jard\u00edn ceniza<\/em>, 2017<br \/>\nCarbonilla sobre papel y texto. 152 x 190 cm<br \/>\nMuseu d\u2019Art Modern de Tarragona[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Una forma biogr\u00e1fica de observar el mundo<\/div>\n<div class=\"subtitol\"><strong>Andrea Ler\u00eda<\/strong> (Barcelona, 1980) compone relatos biogr\u00e1ficos con fotograf\u00edas familiares, textos, pinturas, dibujos y v\u00eddeos. Jard\u00edn Ceniza fue Premio Tapir\u00f3 de la Bienal de Arte de la Diputaci\u00f3 de Tarragona en 2017. Una composici\u00f3n que incorpora fotograf\u00edas y dibujos de la infancia de la artista con la madre, y un di\u00e1logo sobre el amor paterno-filial que la artista mantuvo con su padre. Aunque contiene un acusado elemento autobiogr\u00e1fico, Ler\u00eda insiste en la dimensi\u00f3n p\u00fablica de su relato: \u00abLas experiencias \u00edntimas se convierten en instrumentos flexibles que comprometen la l\u00ednea divisoria entre lo privado y lo p\u00fablico\u00bb. Ella misma califica su trabajo como \u00abuna forma biogr\u00e1fica de observar el mundo\u00bb.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb52px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2054&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Barbara Stammel<\/strong>, <em>Hermana I y Hermana II<\/em>, 1997<br \/>\nOleo sobre tela. 170 x 160 cm (cada una)<br \/>\nMuseu d\u2019Art Modern de Tarragona[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">El lugar, inquietante, desde donde nos miran<\/div>\n<div class=\"subtitol\"><em>Hermana I<\/em> muestra una frialdad extrema. <em>Hermana II<\/em>, el cr\u00e1neo deformado. En una imagen y en la otra, la pincelada ancha y r\u00e1pida aporta expresividad, y la desproporci\u00f3n en las dimensiones del rostro intensifica el lugar, inquietante, desde donde nos miran. \u00bfPor qu\u00e9 <em>Hermana I<\/em> tiene las cejas arqueadas y aprieta los labios? \u00bfPor qu\u00e9 la artista es <em>Hermana II<\/em>? No sabemos qu\u00e9 historia de vida est\u00e1 asociada al retrato del yo. Sabemos que, en su ejercicio de autorretrato, <strong>Barbara Stammel<\/strong> (S\u00f6cking-Stamberg, Alemania, 1960) se construye tomando como referencia a la hermana. Con una factura expresionista, esta artista, establecida en Euskadi, confiere a la forma humana el tratamiento de objeto.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2055&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Fina Miralles<\/strong> (idea y acci\u00f3n)<br \/>\n<strong>Joan Casellas &#8211; Arxiu Aire<\/strong> (fotograf\u00eda)<br \/>\n<em>El retorno<\/em>, 2012<br \/>\nFotograf\u00eda. 95 x 66,5 cm<br \/>\nMuseu de l\u2019Empord\u00e0[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">El ba\u00f1o como un retorno<\/div>\n<div class=\"subtitol\">El t\u00edtulo no enga\u00f1a: es un retorno. Despu\u00e9s de treinta a\u00f1os sin llevar a cabo acciones en la naturaleza, <strong>Fina Miralles<\/strong> (Sabadell, 1950) realiz\u00f3 una inmersi\u00f3n acu\u00e1tica en el a\u00f1o 2012, en el nacimiento de la Caula, una garganta situada en el municipio de las Escaules, en el Alt Empord\u00e0. Recuperaba as\u00ed el accionismo con que se dio a conocer en los albores de los a\u00f1os setenta. Recordando la visita de Marcel Duchamp y Man Ray a este pueblo ampurdan\u00e9s, se lleva celebrando desde hace quince a\u00f1os un festival anual de performance. Fotografiada por Joan Casellas, alma del festival, el ba\u00f1o de Miralles en la Caula duchampiana -el ba\u00f1o como un retorno- fue la imagen del cartel del festival en su edici\u00f3n del a\u00f1o 2012.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb92px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2056&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Mari Chord\u00e0<\/strong>, <em>Autorretrato embarazada<\/em>, 1966-1967<br \/>\nGuaix embarnizado sobre cart\u00f3n. 25 x 35 cm (cada uno)<br \/>\nMuseu Nacional d\u2019Art de Catalunya[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">No son retratos, son afirmaciones<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Entre 1966 y 1967, <strong>Mari Chord\u00e0<\/strong> (Amposta, 1942) registr\u00f3 los meses de embarazo de su hija \u00c0ngela, que hab\u00eda llegado de manera inesperada cuando a\u00fan estudiaba arte. Fue pionera, ya que se adelant\u00f3 a otros artistas del \u00e1mbito internacional que hicieron lo mismo posteriormente. Paula Modersohn-Becker se autorretrat\u00f3 desnuda y embarazada en 1906, a pesar de no estarlo. En un caso y en el otro, no son retratos, son afirmaciones. Los peque\u00f1os gouaches de Mari Chord\u00e0 (estos corresponden al primero, s\u00e9ptimo y noveno mes), con sus formas org\u00e1nicas de est\u00e9tica pop y colores irreverentes en la paleta cl\u00e1sica del retrato, contienen un diario matricial de la gestaci\u00f3n.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner]<\/div><\/div>\t\t\t<script type=\"text\/javascript\">\n\t\t\t\tjQuery(document).ready(function ($) {\n\t\t\t\t\tif( typeof jQuery('.ult-carousel-365597130369e0f5528fcb0').slick == \"function\"){\n\t\t\t\t\t\t$('.ult-carousel-365597130369e0f5528fcb0').slick({dots: false,autoplay: true,autoplaySpeed: \"5000\",speed: \"300\",infinite: true,arrows: true,nextArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Next\" style=\"color:#333333; font-size:45px;\" class=\"slick-next default\"><i class=\"ultsl-arrow-right4\"><\/i><\/button>',prevArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Previous\" style=\"color:#333333; font-size:45px;\" class=\"slick-prev default\"><i class=\"ultsl-arrow-left4\"><\/i><\/button>',slidesToScroll:1,slidesToShow:1,swipe: true,draggable: true,touchMove: true,pauseOnHover: true,pauseOnFocus: false,responsive: [\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1026,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1,  \n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1025,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 760,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t\t\t],pauseOnDotsHover: true,customPaging: function(slider, i) {\n                   return '<i type=\"button\" style= \"color:#333333;\" class=\"ultsl-record\" data-role=\"none\"><\/i>';\n                },});\n\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t});\n\t\t\t<\/script>\n\t\t\t[vc_empty_space height=\u00bb102px\u00bb][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bbelement_from_left\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbyes\u00bb angled_section_position=\u00bbtop\u00bb angled_section_direction=\u00bbfrom_right_to_left\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#000000&#8243; el_id=\u00bbdesitjant\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1687365190355{padding-right: 10px !important;padding-left: 10px !important;}\u00bb][vc_column][vc_empty_space height=\u00bb92px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h2 class=\"second-title\" style=\"text-align: center;\"><span style=\"color: #ffffff;\">Reverberaciones del yo<\/span><\/h2>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb18px\u00bb][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb2\/3&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<h4 style=\"text-align: center;\"><span style=\"color: #ffffff;\">Hacia el 1899, Llu\u00efsa Vidal se retrata en Barcelona con la paleta, el pincel y una bata de trabajo. Para decir qui\u00e9n es, nos cuenta que hace. Aparte de su reivindicaci\u00f3n del derecho de las mujeres a hacer del arte una profesi\u00f3n, es interesante ver c\u00f3mo a menudo el yo se explica mostrando en qu\u00e9 actividad se reconoce. Otros artistas se han retratado en el estudio, como N\u00faria Batlle, si bien entre un estudio y otro hay 101 a\u00f1os de diferencia. En lugar del estudio, Neus Buira nos muestra este \u00e1mbito asociado al descubrimiento y al viaje interior que es la biblioteca personal, y Lara Almarcegui su trabajo en el huerto como un proyecto de crecimiento propio y social. Y si hablamos de extensiones o reverberaciones del yo, no pod\u00eda faltar el espacio dom\u00e9stico, denunciado en este caso por Martha Rosler y su cocina objetual.<\/span><\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb]<div id=\"ult-carousel-28756026469e0f5528fd75\" class=\"ult-carousel-wrapper  comi ult_horizontal\" data-gutter=\"15\" data-rtl=\"false\" ><div class=\"ult-carousel-246123606369e0f5528fd5e \" >[vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2069&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\">strong&gt;Llu\u00efsa Vidal, <em>Autorretrato<\/em><br \/>\nHacia 1899.<br \/>\nOleo sobre madera. 36 x 27 cm<br \/>\nMuseu Nacional d\u2019Art de Catalunya<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">El cuadro no cuenta<\/div>\n<div class=\"subtitolb\">Deja de pintar y nos mira. Aqu\u00ed el cuadro no cuenta, sencillamente no est\u00e1. Una chica de veintitr\u00e9s a\u00f1os apuesta por el arte. Hija de compositora y de ebanista, <strong>Llu\u00efsa Vidal<\/strong> (Barcelona, 1876 &#8211; 1918) se forma en Par\u00eds con Eug\u00e8ne Carri\u00e8re y copiando en el Louvre. Con los a\u00f1os, realizar\u00e1 muchos retratos de mujeres, a menudo sonriendo: madres e hijas haciendo la colada, chicas cosiendo o descansando y otras dibujando. Para su autorretrato de pincelada vibrante, elige el naranja sobre un fondo verde, una luz lateral y una mirada valiente. Vidal morir\u00e1 a causa de la gripe de 1918. Aunque, a\u00f1os m\u00e1s tarde, algunos de sus cuadros aparecer\u00e1n en el mercado con la firma cambiada y a un precio bastante m\u00e1s alto, este no ser\u00e1 el caso de su autorretrato pintando, un ejercicio de afirmaci\u00f3n en toda regla.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2070&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>Martha Rosler<\/strong>, <em>Semiotics of the Kitchen<\/em>, 1975. MACBA<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">\n<p>Cuando la mujer habla<\/p>\n<\/div>\n<div class=\"subtitolb\"><em>Apron [delantal], bowl [bol], chopper [picadora], dish [plato]&#8230;<\/em> Una joven Martha Rosler (Nueva York, 1945) mostrando y enumerando objetos en la cocina de casa. Siguiendo un orden alfab\u00e9tico, sus gestos van evolucionando y, de descriptivos, van pasando a ser cada vez m\u00e1s amenazantes. El v\u00eddeo est\u00e1 construido como una parodia de un programa de cocina televisivo: Rosler se autopostula como una \u00abanti Julia Child\u00bb, una presentadora de un canal de televisi\u00f3n estadounidense que en los a\u00f1os sesenta acerc\u00f3 la cocina francesa al gran p\u00fablico. Lo m\u00e1s significativo, sin embargo, es el vocabulario de frustraci\u00f3n que consigue crear con sus gestos y el yo como prisionero del espacio dom\u00e9stico. La misma artista explicaba: \u00abcuando la mujer habla, pone nombre a su propia opresi\u00f3n\u00bb.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2071&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>Lara Almarcegui<\/strong><br \/>\n<em>Demoliciones, descampados y huertas urbanas<\/em>, 1995\u20132002<br \/>\n9 fotograf\u00edas en color y texto<br \/>\n83 \u00d7 94,5 cm\/u.<br \/>\nEdici\u00f3n 2\/10<br \/>\nInv. CE0008<br \/>\nColecci\u00f3n MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida<br \/>\nFondo del Centro de Arte la Panera<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">Decid\u00ed convertirme en parte de la comunidad<\/div>\n<div class=\"subtitolb\">\u00abUn volkstuin es un terreno junto a las v\u00edas del tren o autopistas donde los habitantes de la ciudad cultivan hortalizas y flores. En una situaci\u00f3n donde la vivienda, el espacio de trabajo y el espacio recreativo han sido masivamente planificados, los volkstuinen son una contestaci\u00f3n al estado de las cosas, ya que son uno de los pocos lugares de la ciudad que no han sido dise\u00f1ados por urbanistas y arquitectos, sino por sus usuarios.Cuando <strong>Lara Almarcegui<\/strong> (Zaragoza, 1972) se traslad\u00f3 a Holanda en 1995, estuvo trabajando en una asociaci\u00f3n de huertos comunitarios de Rotterdam durante tres a\u00f1os. Construyendo mi huerto urbano contiene una clara referencia autobiogr\u00e1fica: \u00abDespu\u00e9s de plantearme mi postura como artista, decid\u00ed convertirme en parte de la comunidad de volkstuinen\u00bb.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2072&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>Neus Buira<\/strong>, <em>Biblioteca<\/em>, 2000<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Fotograf\u00eda en color<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Colecci\u00f3n MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">El viaje interior<\/div>\n<div class=\"subtitolb\">En el a\u00f1o 2000, <strong>Neus Buira<\/strong> (Lleida, 1967) particip\u00f3 en una exposici\u00f3n en el Palacio de la Virreina con la instalaci\u00f3n T\u00f3mate tu tiempo [Autorretrato 2000]. Traslad\u00f3 la sala de estar de su casa, en la calle Aviny\u00f3 27, a la Virreina: se llev\u00f3 todo el mobiliario excepto la biblioteca. En su lugar, reprodujo una fotograf\u00eda a tama\u00f1o real de la estanter\u00eda con libros. En su acci\u00f3n de autorretrato, la \u00fanica pieza de mobiliario que se resisti\u00f3 a dejar su espacio original pertenece al \u00e1mbito de la lectura. Si Buira suele trabajar con retratos de individuos que buscan la identidad, cuando aborda la representaci\u00f3n de su espacio dom\u00e9stico, se fija en un \u00e1mbito del yo asociado al descubrimiento y al viaje interior, en este caso: los libros.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2073&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>N\u00faria Batlle<\/strong>, <em>Estudio<\/em><strong>, <\/strong>2000<br \/>\nT\u00e9cnica fotogr\u00e1fica sobre papel. 100 x 100 cm<br \/>\nMuseu d\u2019Art Modern de Tarragona<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">El estudio como espacio imposible<\/div>\n<div class=\"subtitolb\">Para su autorretrato en el estudio, <strong>N\u00faria Batlle<\/strong> (Barcelona, 1958) construye un espacio imposible. Acostumbrada a trabajar con im\u00e1genes de cuerpos de mujeres fragmentados que se confunden con elementos de la naturaleza, cuando aborda la propia representaci\u00f3n, se sit\u00faa encima de un fondo marino que invade, literalmente, el espacio de trabajo. A trav\u00e9s de la superposici\u00f3n de im\u00e1genes, vemos a la artista faenando entre objetos heterog\u00e9neos en un lugar que parece un garaje dom\u00e9stico con la puerta elevadora abierta mientras el agua del mar lo invade. Planteado como un palimpsesto de elementos visuales, su trabajo fotogr\u00e1fico goza de un acusado efecto pict\u00f3rico.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner]<\/div><\/div>\t\t\t<script type=\"text\/javascript\">\n\t\t\t\tjQuery(document).ready(function ($) {\n\t\t\t\t\tif( typeof jQuery('.ult-carousel-246123606369e0f5528fd5e').slick == \"function\"){\n\t\t\t\t\t\t$('.ult-carousel-246123606369e0f5528fd5e').slick({dots: false,autoplay: true,autoplaySpeed: \"5000\",speed: \"300\",infinite: true,arrows: true,nextArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Next\" style=\"color:#ffffff; font-size:45px;\" class=\"slick-next default\"><i class=\"ultsl-arrow-right4\"><\/i><\/button>',prevArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Previous\" style=\"color:#ffffff; font-size:45px;\" class=\"slick-prev default\"><i class=\"ultsl-arrow-left4\"><\/i><\/button>',slidesToScroll:1,slidesToShow:1,swipe: true,draggable: true,touchMove: true,pauseOnHover: true,pauseOnFocus: false,responsive: [\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1026,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1,  \n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1025,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 760,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t\t\t],pauseOnDotsHover: true,customPaging: function(slider, i) {\n                   return '<i type=\"button\" style= \"color:#333333;\" class=\"ultsl-record\" data-role=\"none\"><\/i>';\n                },});\n\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t});\n\t\t\t<\/script>\n\t\t\t[vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bbelement_from_right\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbyes\u00bb angled_section_position=\u00bbtop\u00bb angled_section_direction=\u00bbfrom_left_to_right\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb el_id=\u00bbmemorablement\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#ffffff\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1687365213154{padding-right: 10px !important;padding-left: 10px !important;}\u00bb][vc_column][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h2 class=\"second-title\" style=\"text-align: center;\">Cuerpos intencionadamente pol\u00edticos<\/h2>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb18px\u00bb][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb2\/3&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<h4 style=\"text-align: center;\">En el ejercicio del autorretrato, hay quien huye de la introspecci\u00f3n y entiende el cuerpo ni como un organismo natural ni como un elemento identitario, sino como una construcci\u00f3n pol\u00edtica o un artefacto resultante de la arquitectura social. Es en este paradigma donde se sit\u00faan algunas de las pr\u00e1cticas art\u00edsticas contempor\u00e1neas, las cuales someten a cr\u00edtica la mism\u00edsima noci\u00f3n de identidad. Son los cuerpos intencionadamente pol\u00edticos de N\u00faria G\u00fcell, que investiga en la ciudadan\u00eda del yo a trav\u00e9s de la idea de patria, y de Jo Spence, que revoca el imaginario pict\u00f3rico de la maternidad. Es la denuncia del patriarcado en el \u00e1mbito del arte por parte de las Guerrilla Girls, las alteridades demonizadas de Marina N\u00fa\u00f1ez y el placer negado invocado por Ana Laura Al\u00e1ez. Finalmente, y con mucha iron\u00eda, Esther Ferrer desmonta el mito de la desnudez como el lugar privilegiado de la intimidad.<\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb]<div id=\"ult-carousel-402595680569e0f5528fe10\" class=\"ult-carousel-wrapper  comi ult_horizontal\" data-gutter=\"15\" data-rtl=\"false\" ><div class=\"ult-carousel-411499667069e0f5528fdfb \" >[vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2081&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Jo Spence \/ Terry Dennett<\/strong>, <em>Remodelling Photo History<\/em>, 1982<br \/>\nFotograf\u00eda a las sales de plata plastificada sobre soporte de pl\u00e1stico. 26,5 x 34,7 cm<br \/>\nColecci\u00f3n MACBA. Fundaci\u00f3 MACBA. Obra adquirida gracias a la Fundaci\u00f3n Banc Sabadell[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">El largo imaginario visual de la maternidad<\/div>\n<div class=\"subtitol\">\u00bfQui\u00e9n fotograf\u00eda y qui\u00e9n se pone en el lugar del modelo? \u00bfQui\u00e9n es sujeto y qui\u00e9n es objeto? Nombre emblem\u00e1tico del feminismo, <strong>Jo Spence<\/strong> (Londres, 1934 &#8211; 1992) colabor\u00f3 profusamente con <strong>Terry Dennet<\/strong> (Londres, 1938 &#8211; 2018) en proyectos de fotograf\u00eda social y acci\u00f3n pol\u00edtica. En <em>Remodelling Photo History<\/em> (<em>The History Lesson<\/em>) cuestionan los modelos dominantes de representaci\u00f3n visual a trav\u00e9s de lo que llaman \u00abfototeatro\u00bb. Son im\u00e1genes escenificadas que ponen en duda, desde la misma pr\u00e1ctica fotogr\u00e1fica, los g\u00e9neros en el uso de la fotograf\u00eda occidental. Adem\u00e1s de ejercer a la vez de modelos y autores de la fotograf\u00eda, esta escena tiene una fuerte carga semi\u00f3tica que revoca como pocas el largo imaginario visual de la maternidad.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb60px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2082&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Ana Laura Al\u00e1ez<\/strong>, <em>Sade<\/em>, 1999<br \/>\n<span lang=\"CA\" xml:lang=\"CA\">Fotograf\u00eda <\/span><span lang=\"CA\" xml:lang=\"CA\">en color. 126 x 165 cm<br \/>\nColecci\u00f3n MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Una intimidad satisfactoria<\/div>\n<div class=\"subtitol\">\u00abSiempre imagin\u00e9 que el Marqu\u00e9s de Sade era el seud\u00f3nimo tras el que se escond\u00eda una mujer. [&#8230;] \u00bfY si detr\u00e1s hubiera una delicada poetisa como Safo que necesitara expresarse y ser reconocida en otras direcciones m\u00e1s turbias?\u00bb. Convencida de que detr\u00e1s de una defensa tan f\u00e9rrea del placer f\u00edsico (tal y como se puede leer en los libros de Sade) ten\u00eda que haber una mujer, <strong>Ana Laura Al\u00e1ez<\/strong> (Bilbao, 1964) construye una ficci\u00f3n visual como una reivindicaci\u00f3n del yo m\u00e1s carnal. Con toda la carga ic\u00f3nica del objeto pintalabios, plantea una acci\u00f3n en la que se pone en el lugar de la supuesta autora, la cual firm\u00f3 como Sade. En un texto de 2011 que comenta esta obra, la artista traza una larga genealog\u00eda de mujeres que han negado de maneras diferentes su identidad f\u00edsica y emocional, y reclama \u00abuna intimidad satisfactoria, contra la sexualidad reproductiva u obligada\u00bb<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_single_image image=\u00bb2083&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Marina N\u00fa\u00f1ez,<\/strong> <em>Sin T\u00edtulo (Monstruas)<\/em>, 1997 &#8211; 1998<br \/>\nOleo sobre tela. 235 x 136 cm<br \/>\nColecci\u00f3n MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Lo que queda fuera<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Una mujer se autoagrede. Sobre un fondo negro, nos mira desde el suelo, donde est\u00e1 sentada con las piernas desnudas. Forma parte de la serie denominada Monstruas, pintada entre 1994 y 1998 por <strong>Marina N\u00fa\u00f1ez<\/strong> (Palencia, 1966). Anteriormente, hab\u00eda pintado las series Siniestras y Muertas. Y despu\u00e9s, Locas y Cyborgs. Y es que esta pintora pone su habilidad t\u00e9cnica con el retrato al servicio de desmontar el imaginario simb\u00f3lico de occidente proyectado sobre el sujeto mujer. Durante siglos, mujer es lo que queda fuera: de la norma, de la ley, del canon, de la raz\u00f3n, del mundo. De entre todas las mujeres que pint\u00f3, inquieta esta figura por el parecido f\u00edsico con la artista.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb60px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2084&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>Esther Ferrer<\/strong>, <em>\u00cdntimo y personal<\/em><br \/>\nDocumentaci\u00f3n de la acci\u00f3n realizada en 1977 en el taller de Fernando Ler\u00edn a Par\u00eds.<br \/>\nFot\u00f3grafa: Ethel Blum], 1977. MACBA[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Vuelva a empezar las veces que quiera<\/div>\n<div class=\"subtitol\">Esta acci\u00f3n puede ser realizada por una sola persona o por muchas a la vez, sin discriminaci\u00f3n de sexo, edad o condici\u00f3n. Tambi\u00e9n se puede realizar entre s\u00ed, por parejas y en fila, el primero es medido por el segundo, que a su vez es medido por un tercero, etc. Puede hacerse desnudo o vestido, de pie o tumbados, en cualquier posici\u00f3n y situaci\u00f3n. Ante p\u00fablico numeroso o en la m\u00e1s completa soledad\u00bb.<\/div>\n<div class=\"subtitol\"><strong>Esther Ferrer<\/strong> (San Sebasti\u00e1n, 1937) escribi\u00f3 en 1971 unas instrucciones para poder realizar esta acci\u00f3n, que ella misma llev\u00f3 a cabo en 1977 y que ha repetido en varias ocasiones. Que un elemento tan \u00edntimo y personal como las diferentes partes de un cuerpo desnudo se conviertan en simple objeto de medida nos da una idea de la dimensi\u00f3n pol\u00edtica de la acci\u00f3n de Ferrer. Reducido a pura cifra, \u00bfen qu\u00e9 queda el mito de la desnudez? \u00bfEs la intimidad un simple dato cuantitativo? Ferrer termina el texto con una dosis de iron\u00eda: \u00abSi el resultado le ha satisfecho plenamente, vuelva a empezar las veces que quiera\u00bb.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb60px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2085&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<em>It\u2019s Even Worse in Europe (Todav\u00eda es peor en Europa)<\/em>. 1986<br \/>\nTinta impresa sobre papel<br \/>\n43,3 x 56 cm<br \/>\nColecci\u00f3n MACBA. Consorcio MACBA[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">It\u2019s Even Worse in Europe (Todav\u00eda es peor en Europa)<\/div>\n<div class=\"subtitol\">A mitad de los a\u00f1os ochenta, en los edificios de Manhattan aparecieron carteles con preguntas impertinentes. En ellos, se ve\u00edan mujeres desnudas con la cabeza cubierta con una m\u00e1scara de simio y se le\u00edan mensajes como: \u00bfDeben ir desnudas las mujeres para entrar en el Metropolitan Museum? Con el nombre de <em>Guerrilla Girls<\/em>, un colectivo an\u00f3nimo de artistas pon\u00eda en tela de juicio el silencio y la falta de visibilidad de las mujeres en el mundo del arte. Adoptando estrategias de la llamada comunicaci\u00f3n \u00abde guerrilla\u00bb, el activismo de las Guerrilla Girls en la calle y en museos se mantuvo activo hasta finales de los a\u00f1os noventa. El suyo fue un autorretrato de guerrilla. Si bien uno de los carteles m\u00e1s conocidos de este colectivo es el que evoca el cuadro de Ingres, La gran odalisca, no debemos olvidar el mensaje del segundo.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb60px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2086&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<strong>N\u00faria G\u00fcell<\/strong>, <em>Ap\u00e1trida por voluntad propia<\/em>, 2015 &#8211; 2016<br \/>\nInstalaci\u00f3n. Medidas variables<br \/>\nColecci\u00f3n MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titol\">Sujetos pol\u00edticos<\/div>\n<div class=\"subtitol\"><em>N\u00faria G\u00fcell<\/em> (Vidreres, 1981) solicit\u00f3 al Estado espa\u00f1ol que se le retirara la nacionalidad en un proceso que, con la ayuda de una abogada contratada, se alarg\u00f3 un a\u00f1o y medio. Finalmente, el Ministerio de Justicia espa\u00f1ol le neg\u00f3 el derecho a ser ap\u00e1trida alegando que la no nacionalidad no se adquiere por voluntad propia, sino que es un castigo impuesto por el Estado. \u00abEl proyecto surge de mi desidentificaci\u00f3n con la estructura Estado-naci\u00f3n y de mi rechazo a la nacionalidad como construcci\u00f3n identitaria impuesta\u00bb, explicaba la artista. En una instalaci\u00f3n, en la que explica todo el proceso que llev\u00f3 a cabo, denuncia la instrumentalizaci\u00f3n por parte del Estado moderno de nuestra condici\u00f3n de sujetos pol\u00edticos.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner]<\/div><\/div>\t\t\t<script type=\"text\/javascript\">\n\t\t\t\tjQuery(document).ready(function ($) {\n\t\t\t\t\tif( typeof jQuery('.ult-carousel-411499667069e0f5528fdfb').slick == \"function\"){\n\t\t\t\t\t\t$('.ult-carousel-411499667069e0f5528fdfb').slick({dots: false,autoplay: true,autoplaySpeed: \"5000\",speed: \"300\",infinite: true,arrows: true,nextArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Next\" style=\"color:#333333; font-size:45px;\" class=\"slick-next default\"><i class=\"ultsl-arrow-right4\"><\/i><\/button>',prevArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Previous\" style=\"color:#333333; font-size:45px;\" class=\"slick-prev default\"><i class=\"ultsl-arrow-left4\"><\/i><\/button>',slidesToScroll:1,slidesToShow:1,swipe: true,draggable: true,touchMove: true,pauseOnHover: true,pauseOnFocus: false,responsive: [\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1026,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1,  \n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1025,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 760,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t\t\t],pauseOnDotsHover: true,customPaging: function(slider, i) {\n                   return '<i type=\"button\" style= \"color:#333333;\" class=\"ultsl-record\" data-role=\"none\"><\/i>';\n                },});\n\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t});\n\t\t\t<\/script>\n\t\t\t[vc_empty_space height=\u00bb102px\u00bb][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bbelement_from_left\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbyes\u00bb angled_section_position=\u00bbtop\u00bb angled_section_direction=\u00bbfrom_right_to_left\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#007882&#8243; anchor=\u00bbdramatisme\u00bb el_id=\u00bbllit\u00bb css=\u00bb.vc_custom_1687365236964{padding-right: 10px !important;padding-left: 10px !important;}\u00bb][vc_column][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb][vc_column_text]<\/p>\n<h2 class=\"second-title\" style=\"text-align: center;\"><span style=\"color: #ffffff;\">El cuerpo ausente<\/span><\/h2>\n<p>[\/vc_column_text][vc_empty_space height=\u00bb18px\u00bb][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb2\/3&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<h4 style=\"text-align: center;\"><span style=\"color: #ffffff;\">Ciertamente, la naturaleza, las verdades matem\u00e1ticas o el inconsciente van m\u00e1s all\u00e1 de la propia individualidad y, sin embargo, la constituyen. Es esto lo que ponen de manifiesto algunas formas de representaci\u00f3n que diluyen la presencia f\u00edsica hasta hacerla desaparecer, o la ponen en di\u00e1logo con elementos naturales y realidades que nos sobrepasan. Es el yo on\u00edrico de Itziar Okariz, o el yo transformado en una chimenea adivinadora de Denys Blacker. Es tambi\u00e9n la geometr\u00eda universal de \u00c0ngels Rib\u00e9, o el retorno a algunos elementos primigenios como el \u00e1rbol o la paja, de Fina Miralles. Unas y otras, acaban diluyendo la propia presencia humana hasta borrarla..<\/span><\/h4>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/6&#8243;][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_empty_space height=\u00bb72px\u00bb]<div id=\"ult-carousel-241151456669e0f5528fea0\" class=\"ult-carousel-wrapper  comi ult_horizontal\" data-gutter=\"15\" data-rtl=\"false\" ><div class=\"ult-carousel-98085587969e0f5528fe8b \" >[vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2087&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>Denys Blacker<\/strong> (idea y acci\u00f3n)<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>Joan Casellas<\/strong> <strong>&#8211; Arxiu Aire<\/strong> (fotograf\u00eda)<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\"><em>Kapnom\u00e0ncia, <\/em>2013<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Fotograf\u00eda. 100 x 70 cm<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Museu de l\u2019Empord\u00e0<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">Utilizo vestidos como una extensi\u00f3n del propio cuerpo<\/div>\n<div class=\"subtitolb\">\u00abA menudo utilizo vestidos como una extensi\u00f3n de mi propio cuerpo\u00bb, explicaba <strong>Denys Blacker<\/strong> (Londres, 1961) en una entrevista realizada en el 2019. Residente en el Empord\u00e0 desde hace m\u00e1s de 30 a\u00f1os, ha participado en eventos de arte de acci\u00f3n en todo el mundo. El vestido es uno de sus elementos habituales, planteado como una extensi\u00f3n org\u00e1nica del propio cuerpo, aunque a veces esto suponga incluso su desaparici\u00f3n. Kapnomancia forma parte de la serie Extensiones, en que la artista se cubre con una largu\u00edsima capucha mon\u00e1stica. Siendo fiel al t\u00edtulo de la acci\u00f3n -consiste en una antigua t\u00e9cnica de adivinaci\u00f3n a trav\u00e9s del humo-, sal\u00eda humo de su largo cuello. La acci\u00f3n se realiz\u00f3 en el marco del festival de acci\u00f3n y performance La Muga Caula del a\u00f1o 2013, convirti\u00e9ndose dicha acci\u00f3n en el cartel que difundi\u00f3 su novena edici\u00f3n.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2088&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>Itziar Okariz<\/strong>, <em>Diario de sue\u00f1os<\/em>, 2016 &#8211; 2017<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Instalaci\u00f3n. Mides variables<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Colecci\u00f3n MORERA. Museu d\u2019Art Modern i Contemporani de Lleida<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">Fidelidad on\u00edrica<\/div>\n<div class=\"subtitolb\">Durante el oto\u00f1o de 2016 y el invierno de 2017, <strong>Itziar Okariz<\/strong> (San Sebasti\u00e1n, 1965) fue registrando sus sue\u00f1os nocturnos durante casi dos meses, los cuales enviaba cada d\u00eda al museo, donde se colgaban en la pared. Intentando mantener la fidelidad on\u00edrica, con huecos en el discurso y palabras repetidas, la artista los acompa\u00f1aba de dibujos. En una segunda acci\u00f3n, Okariz se desplaz\u00f3 al espacio expositivo y ley\u00f3 sentada ante el p\u00fablico su diario de sue\u00f1os a dos voces, aumentando as\u00ed su inteligibilidad. Se trata de una autobiograf\u00eda on\u00edrica o el registro de ese otro yo nocturno que configura tambi\u00e9n nuestra identidad.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb82px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2089&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>\u00c0ngels Rib\u00e9<\/strong>, <em>3 puntos 2<\/em>, 1972<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Fotograf\u00eda a las sales de plata<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">60,8 x 66,3 cm<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Colecci\u00f3n MACBA. Fundaci\u00f3n MACBA. Obra adquirida gracias a Dinath de Grandi de Grijalbo<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">La sensaci\u00f3n de estar inmersa dentro de estructuras desconocidas<\/div>\n<div class=\"subtitolb\">Moltes de les meves peces tenen a veure amb la relaci\u00f3 que hi ha entre la meva altura, el sol i la meva ombra; o jo entre dos punts i una cinta i la meva altura i tots els infinits triangles que poden tenir lloc\u201d, explicava <strong>\u00c0ngels Rib\u00e9<\/strong> (Barcelona, 1943) l\u2019any 2012 en una entrevista. Aquesta pionera de l\u2019art d\u2019acci\u00f3 a Catalunya, pren el seu cos com un element per indagar en la condici\u00f3 geom\u00e8trica de l\u2019espai. A la s\u00e8rie que porta per nom <em>3 punts<\/em>, realitzada entre 1970 i 1973, experimenta amb la noci\u00f3 de triangle. \u201cLa sensaci\u00f3 d\u2019estar immersa dins d\u2019estructures desconegudes. Estem tan envoltats de geometria. [&#8230;] Hi ha una connexi\u00f3 amb el sol i per tant, amb l\u2019univers.\u201d<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner][vc_row_inner row_type=\u00bbrow\u00bb type=\u00bbgrid\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb css_animation=\u00bb\u00bb][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_empty_space height=\u00bb80px\u00bb][vc_single_image image=\u00bb2090&#8243; img_size=\u00bbfull\u00bb onclick=\u00bblink_image\u00bb qode_css_animation=\u00bb\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb12px\u00bb][vc_column_text]<span style=\"color: #ffffff;\"><strong>Fina Miralles.<\/strong><em> Relaciones<\/em>.<em> Relaci\u00f3n del cuerpo con los elementos naturales.<br \/>\nEl cuerpo cubierto de paja, Sabadell, Enero de 1975 <\/em><\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">1975 Acci\u00f3n<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Negativos originales<\/span><br \/>\n<span style=\"color: #ffffff;\">Colecci\u00f3n del Museu d\u2019Art de Sabadell<\/span>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][vc_column_inner width=\u00bb1\/2&#8243;][vc_column_text]<\/p>\n<div class=\"titolb\">Plantarse<\/div>\n<div class=\"subtitolb\">Designadas como Traslaciones y Relaciones, las acciones realizadas en la naturaleza por <em>Fina Miralles<\/em> (Sabadell, 1950) insertan el cuerpo de la artista en un contexto natural hasta hacerlo desaparecer. Mientras que en Mujer-\u00e1rbol, realizada en noviembre de 1973 en los bosques de Sant Lloren\u00e7 del Munt, la artista entierra verticalmente sus piernas hasta plantarse; en Relaci\u00f3n del cuerpo con la paja, realizada en Sabadell en enero de 1975, recubre totalmente su cuerpo con paja. Si en la tradici\u00f3n art\u00edstica encontramos numerosos cuadros que reproducen a la mujer como un elemento natural permanentemente disponible para el otro -masculino, claro-, Fina Miralles decide que ella es el sujeto de la naturaleza, aunque sea para recordarnos nuestra condici\u00f3n arb\u00f3rea o vegetal.<\/div>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column_inner][\/vc_row_inner]<\/div><\/div>\t\t\t<script type=\"text\/javascript\">\n\t\t\t\tjQuery(document).ready(function ($) {\n\t\t\t\t\tif( typeof jQuery('.ult-carousel-98085587969e0f5528fe8b').slick == \"function\"){\n\t\t\t\t\t\t$('.ult-carousel-98085587969e0f5528fe8b').slick({dots: false,autoplay: true,autoplaySpeed: \"5000\",speed: \"300\",infinite: true,arrows: true,nextArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Next\" style=\"color:#ffffff; font-size:45px;\" class=\"slick-next default\"><i class=\"ultsl-arrow-right4\"><\/i><\/button>',prevArrow: '<button type=\"button\" role=\"button\" aria-label=\"Previous\" style=\"color:#ffffff; font-size:45px;\" class=\"slick-prev default\"><i class=\"ultsl-arrow-left4\"><\/i><\/button>',slidesToScroll:1,slidesToShow:1,swipe: true,draggable: true,touchMove: true,pauseOnHover: true,pauseOnFocus: false,responsive: [\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1026,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1,  \n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 1025,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t},\n\t\t\t\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\t\t\t  breakpoint: 760,\n\t\t\t\t\t\t\t  settings: {\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToShow: 1,\n\t\t\t\t\t\t\t\tslidesToScroll: 1\n\t\t\t\t\t\t\t  }\n\t\t\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t\t\t],pauseOnDotsHover: true,customPaging: function(slider, i) {\n                   return '<i type=\"button\" style= \"color:#333333;\" class=\"ultsl-record\" data-role=\"none\"><\/i>';\n                },});\n\t\t\t\t\t}\n\t\t\t\t});\n\t\t\t<\/script>\n\t\t\t[vc_empty_space height=\u00bb50px\u00bb][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb][vc_column][vc_column_text]<\/p>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column][\/vc_row][vc_row css_animation=\u00bb\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbno\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb][vc_column][vc_column_text]<\/p>\n<p>[\/vc_column_text][\/vc_column][\/vc_row]<\/p>\n<\/div>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"<p>[vc_row css_animation=\u00bbelement_from_fade\u00bb row_type=\u00bbrow\u00bb use_row_as_full_screen_section=\u00bbyes\u00bb type=\u00bbfull_width\u00bb angled_section=\u00bbno\u00bb text_align=\u00bbleft\u00bb background_image_as_pattern=\u00bbwithout_pattern\u00bb row_negative_margin=\u00bbdisable_negative_margin\u00bb z_index=\u00bb\u00bb background_color=\u00bb#337581&#8243; padding_bottom=\u00bb0&#8243; css=\u00bb.vc_custom_1678374206743{padding-right: 20% !important;padding-left: 20% !important;background-image: url(https:\/\/xarxa.museunacional.cat\/wp-content\/uploads\/2023\/03\/header_expo-1.webp?id=2001) !important;}\u00bb][vc_column el_class=\u00bbmuseutit\u00bb][vc_empty_space height=\u00bb172px\u00bb][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1684488610237{padding-right: 0px !important;padding-left: px !important;}\u00bb] Maneras de decir yo Autorretrato y mujeres en la Xarxa de Museus d\u2019Art de Catalunya [\/vc_column_text][vc_column_text css=\u00bb.vc_custom_1684488646105{padding-left: 5px !important;}\u00bb]&#8230;<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":2537,"parent":0,"menu_order":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","template":"full_width.php","meta":{"_acf_changed":false,"inline_featured_image":false,"_vp_format_video_url":"","_vp_image_focal_point":[],"footnotes":""},"class_list":["post-4083","page","type-page","status-publish","has-post-thumbnail","hentry"],"acf":[],"yoast_head":"<!-- This site is optimized with the Yoast SEO plugin v27.2 - 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